Parenti Serpenti, il crudele capolavoro natalizio di Monicelli

Titolo Originale: PARENTI SERPENTIRegia: Mario Monicelli
Interpreti: Marina Confalone, Paolo Panelli, Alessandro Haber, Cinzia Leone, Eugenio Masciari
Durata: h 1.45
Nazionalità:  Italia 1992
Genere: Commedia grottesca

Natale è uno di quei momenti in cui tutti i nodi vengono al pettine, come diceva la mia maestra. La patina di cordiale partecipazione, i luccichii delle illuminazioni il profumo dei manicaretti non riescono a nascondere completamente ne' la fatica dei tentativi momentanei e doverosi di convivenza forzata, ne' le tracce di rancore malcelato tra fratelli, tra genitori e figli, tra amici che si rincontrano dopo tanto tempo.

L'incontro annuale di fratelli, cognati e nipoti a casa dei nonni nella innevata Sulmona in occasione del Natale è anche il perno centrale attorno a cui ruota il film Parenti Serpenti di Mario Monicelli, un film della commedia nera all'italiana ad altissima carica corrosiva, l'ideale per  restituire un po' di lucidità alle nostre menti annebbiate dai banchetti natalizi, da brindisi di prassi e dalla routine, in fondo, che caratterizza tutte le famiglie in questo periodo dell'anno.

A scombinare la ricomposizione faticosa di mondi ormai separati è la notizia che uno dei figli deve ospitare i poveri genitori Saverio (Paolo Panelli) e Trieste (Pia Velsi) fino alla loro morte naturale, che non sono più in grado di badare a se stessi e non vogliono stare più soli. 

La lauta ricompensa offerta dai due genitori non è però sufficiente a evitare la deflagrazione totale e l'innesco di guerre fratricide, da tempo latenti, alimentate da invidie, tradimenti e verità omesse. 

Finché non si giunge a un soluzione paradossale del problema, questa volta condivisa da tutti i figli: provocarne la morte con una stufa a gas precedentemente manomessa.

Il risultato è un quadretto coloratissimo in cui, nonostante la cornice natalizia, viene sapientemente e spietatamente ritratta la famiglia italiana media in cui egoismo, tradimento, invidia e vanità prevalgono sui buoni sentimenti, anche a Natale. Un frammento di un'Italia ancora molto attuale.

Leggendo Fitzgerald: Tenera è la notte

Titolo: Tenera è la notte

Autore: Francis Scott Fitzgerald

Curatore: Fernanda Pivano 

Editore: Einaudi

Collana: Einaudi tascabili. Scrittori

Data di Pubblicazione: Settembre 2005

Pagine: XVIII-384

"A volte è più difficile privarsi di un dolore che di un piacere."

“Il guaio è che quando si è sobri non si ha voglia di veder nessuno, e quando si è sbronzi nessuno ha voglia di vedere noi.”

Tenera è la notte è il grande romanzo che lo scrittore americano Francis Scott Fitzgerald diede alle stampe nel '34 a New York, dopo nove anni di tentativi, retromarce, pentimenti, entusiasmi, tragedie personali trasformate in narrazione.Anche se inizialmente non venne accolto con molto entusiasmo dalla critica e dal pubblico, Tenera è la notte è stato da molti critici considerato il più importante, intimo e personale romanzo di Fitzgerald, se non il più sofferto e il più rappresentativo. 

La storia, che si svolge negli anni Venti, e precisamente tra il 1924 e il 1929, ruota intorno all’amore infelice del protagonista, Dick Diver, un giovane e talentuoso psichiatra, per una una sua ex paziente ricchissima, Nicole Warren, che un incestuoso rapporto col padre ha reso appunto fragile e schizofrenica. Le cose arrivano fino al punti che il lavoro di Dick, ma anche la stessa sua vita, diventano del tutto condizionati dalla malattia della moglie e dalla sua ricchezza, che sembrano legarlo a lei indissolubilmente, tanto da rifiutare inizialmente anche l'amore per Rosemary Hoyot, una bella attrice americana. Circondato dal lusso e da ricchi amici americani, Dick inizia ad esagerare con i bicchieri di Gin, finché è costretto ad abbandonare la gestione della clinica che negli anni aveva costruito, mentre, al contrario, Nicole sembra riemergere dall'abisso della sua malattia, grazie anche al ritorno di Tommy Barban, un mercenario francese da sempre innamorato di lei. Il finale è indiscutibilmente amaro.

Ma Tenera è la notte è anche un intreccio di avvenimenti reali ed esperienze personali dell'autore: partendo dai luoghi in cui il romanzo è ambientato, che riflettono i lunghi viaggi avanti e indietro tra Europa e America, tra Parigi e Svizzera, tra Costa Azzurra e Roma, fino ad arrivare agli stessi personaggi, mai consapevoli della propria miseria e della piccola e misera condotta delle loro esistenze.
Se il personaggio di Rosemary Hoyot è ispirato all'attrice cinematorafica Lois Moran che lo scrittore conobbe a Hollywood nel 1927, Nicole Warren, la moglie di Dick, è in realtà l’alterego di Zelda, la compagna infelice dell’autore che in quegli anni venne ricoverata più volte in seguito a reiterate crisi schizofreniche. Dick Diver è invece il ritratto di Francis Scott Fitzgerald, con i suoi fallimenti e il ritiro totale, che lo porterà a far perdere le tracce di se stesso e a scomparire nel nulla.

Anche nelle esperienze raccontate affiora un lato chiaramente autobiografico: la crisi economica del 1929 e la conseguente crisi familiare che Scott dovette affrontare immerso in un cristallino fiume di gin, l’abuso sempre più frequente dell’alcool, l'esaurimento psicologico. Tenera è la notte ci dà infatti un quadro acuto e spregiudicato, a volte al limite del grottesco, di quella società elegante americana che invase l'Europa nel decennio successivo alla prima guerra mondiale, conosciuto come "l'epoca del jazz", nonché del contrasto etico-sociale degli anni '30 dovuto a un mondo corrotto dal denaro e avido di se stesso, fatto di piccoli burattini che si prostituiscono moralmente, facendosi sedurre e inghiottire dal potere economico.

In definitiva, alcuni capitoli e l'andamento discorsivo e serrato, quasi senza dialogo, possono annoiare, o addirittura infastidire il lettore ma l’analisi introspettiva di ogni personaggio eleva il romanzo a capolavoro, mettendo in luce i mostri della mente e ci regala ritratti, che a distanza di anni non smettono di appartenerci.

On Space Time Foam

Tomás Saraceno

ON SPACE TIME FOAM

Hangar Bicocca

Fino al 3 Febbraio 2013


ingresso gratuito con prenotazione

per info: www.hangarbicocca.org

On Space Time Foam, dell'artista argentino Tomás Saraceno, è un'istallazione artistica fluttuante, concepita per il cubo di Hangar Bicocca di Milano(l’ex stabilimento industriale dell’Ansaldo-Breda dove è attualmente ospitata fino al 3 febbraio), al fine di modificare la percezione degli spazi architettonici. Si tratta di una struttura costituita da tre livelli di pellicole trasparenti sovrapposte e sospese nell'aria tra i 14 e i 20 metri d'altezza, in cui il pubblico può "immergersi" per 15 minuti, quasi come proiettato nelle profondità marine o su un paesaggio lunare o in un organismo che respira insieme a lui, che lo modifica e nel contempo viene modificato esso stesso, in un processo interattivo continuo tra l'opera e il pubblico e tra l'opera e lo spazio architettonico che la ospita. 

Le tre membrane di plastica, alte 6 millimetri ciascuna, sono agganciate alle pareti e distese per 400 metri quadri, in modo da dividere lo spazio in quattro camere d'aria sigillate tra le quali ciascuno può scegliere in quale infilarsi.

L'obiettivo finale di Saraceno è infatti quello di creare strutture aeree abitabili dall’uomo, energeticamente autosufficienti e a basso impatto, ispirandosi a diversi principi di base: il superamento delle barriere geografiche, fisiche, comportamentali, sociali; la ricerca di modalità di vita sostenibili per l’uomo e per il pianeta; l’incontro e lo scambio tra discipline e saperi differenti; il modello di rete e condivisione applicato a tutte le fasi dell’ideazione e della realizzazione di opere e progetti. 


Nella mente dell'artista c'è anche un vero e proprio modello abitativo che Saraceno starebbe progettando insieme a scienziati ed ingegneri, da realizzare ”sopra” le isole Maldive, pensando ad una modalità di vita a basso impatto ambientale, ma con un elevato potenziale di coesione ed interazione sociale.

On the Road: la Beat Generation di Kerouac torna a vivere sullo schermo

Titolo originale: On the Road

Regia: Walter Salles. 
Attori principali: Kristen Stewart, Garrett Hedlund, Kirsten Dunst, Sam Riley, Viggo Mortensen. 
Genere: Drammatico

Con la trasposizione cinematografica di Sulla strada, il romanzo epocale di Jack Kerouac, Walter Salles porta sullo schermo lo spirito di ribellione di un'epoca: il film ambientato negli Stati Uniti nella seconda metà degli anni Quaranta è un condensato di amicizia, amore, sesso, droga, jazz, eccessi, ricerche interiori, farmaci psicoattivi  e paesaggi americani ripresi dal sedile passeggero di una Hudson.
L'incontro tra l'aspirante scrittore New Yorkese Sal Paradise (alter ego di Jack Kerouac) e il giovane Dean Moriarty,ex-pregiudicato dall'alone maledetto, che si alterna tra la disinibita e seducente moglie Marylou e l'amante Camille, da infatti inizio a una serie infinita di peregrinazioni lungo le vie di Stati Uniti e Messico in cui, poco a poco, eventi, luoghi personaggi incontrati vengono trasformati in parole che assurgeranno a manifesto generazionale.

Tra i personaggi, ci sono anche altri alter ego dei mostri sacri della Beat Generation (Carlo Marx/Allen Ginsberg, Dean Moriarty/Neal Cassady) e fa impressione come dal film emerga la loro giovinezza: me li immaginavo come trentenni con visi trasudanti esperienze di vita e sicurezza, invece sembrano dei ragazzini che hanno appena superato la fase adolescenziale.

Walter Salles, regista brasiliano già autore de I diari della motocicletta, non delude riuscendo a portare sullo schermo un film dalla gestazione lunghissima che già in passato Francis Ford Coppola aveva messo da parte . 

Di contro, il film è certamente un po' lungo (due ore e 17 minuti di visione!), ma poi c'è il jazz, quello intenso, salvifico.

DEPARTURES: SE LA MORTE E' SOLO UN CANCELLO

                                                                     

Titolo: Departures

Titolo originale: Okuribito

Regia: Yojiro Takita

Attori principali: Masahiro Motoki, Ryoko Hirosue, Tsutomu Yamazaki, Kazuko Yoshiyuki, Takashi Sasano.

Genere: Drammatico

Durata: 130 min

"Nell'antichità, quando gli uomini non avevano la scrittura, per comunicare, cercavano un sasso la cui forma esprimesse i loro sentimenti e lo inviavano all'altra persona. Chi lo riceveva, dalla sensazione al tatto e dal peso capiva i sentimenti di chi l'aveva inviato." Departures

Film da premio Oscar (vincitore dell’Oscar per il Miglior Film in Lingua Straniera nel 2009 e dell'Audience Award al Far East Film Festival di Udine dello stesso anno) che affronta con delicatezza, grazia e dignità un tema difficile ed evitato quale la morte, Departures, di Takita Yojiro, rappresenta un modo diverso di concepire la morte da quello tipico della cultura occidentale: la morte è un cancello che è necessario attraversare per poter poi percorrere l’altra parte dell’esistenza.

In questo senso Tatti Sanguineti, nel corso di un’intervista, ha parlato del film come di “un’operazione molto mirata di marketing cinematorafico” studiata in modo tale da accontentare sia lo spettatore più smaliziato che quello meno filo-orientaleggiante: il film è stato infatti congegnato in maniera tale che lo spettatore arriva a superare il tabù visivo della morte e si sente comunque a suo agio, nonostante il tema trattato.

Il film narra il percorso di crescita del violoncellista Daigo (Motoki Masahiro) che, dopo lo scioglimento dell'orchestra in cui suonava, rimane senza lavoro e decide di ritirarsi con la moglie Mika (Hirosue Ryoko) nella sua casa in campagna nel suo villaggio natale, un paese alle porte di Yamagata. Mentre è alla ricerca di una nuova occupazione, trova su un giornale un annuncio interessante e viene sedotto dalla parola fuorviante 'partenze' (departures, appunto). Crede di candidarsi per un lavoro in un'agenzia di viaggi ma, raggiunta l a presunta agenzia, scopre che i viaggi di cui si parlava nell'inserzione erano le dipartite nel mondo dell'aldilà.

Titubante all'inizio, accetta, diventando così amico e discepolo dell’eccentrico becchino locale, Sasaki (Yamazaki Tsutomu), andando incontro ad una disapprovazione e ad un’emarginazione sociale incomprensibili in un Paese come il Giappone, dove il culto dei morti è così sacro.

Se la morte è soltanto un commiato, Daigo diventa un bravo "nokanshi" (letteralmente, maestro di deposizione nella bara) che prepara e accompagna il morto, come una sorta di Caronte, in una dolce e dignitosa transizione verso l'aldilà, una cerimonia rispettosa che avviene in composto e discreto silenzio fatto di dignità e rispetto. Daigo dedica alla vestizione della salma la stessa perizia e lo stesso rispetto che dedica al suo violoncello, cercando minuziosamente di  restituire le sembianze della vita al defunto,  rendendo la morte in un certo senso più sopportabile.

Insomma, un plot originale e una storia gradevole con il giusto mix di umorismo e malinconia, sicuramente interessante.