The Visitors: tra sintonia armonica e singola performance

Ragnar Kjartansson

The Visitors 
A cura di Andrea Lissoni e Heike Munder

Dal 05.12.2013 al 05.01.2014
In collaborazione con Migros Museum für Gegenwartskunst, Zurigo

“L’opera è una serie di ritratti, il ritratto della casa, il ritratto dell’artista, il ritratto di una serie di musicisti, il ritratto di una comunità, il ritratto di una generazione…”, Ragnar Kjartansson.

Ragnar Kjartansson, The Visitors

Per caso, rifuggendo dai centri commericali in un pomeriggio uggioso prenatalizio, mi sono imbattuta in The Visitors, ovvero una installazione dell’Hangar Bicocca costituita da nove proiezioni video in scala 1:1 su schermi accostati uno all’altro in cui musicisti differenti (fra cui Kristín Anna e Gyða Valtýsdóttir, le due sorelle della band islandese dei Múm, e Kjartan Sveinsson, tastierista fino al 2012 dei Sigur Rós e lo stesso Ragnar Kjartansson) 

Ragnar Kjartansson, The Visitors: camera da letto.

Bella la canzone scelta, ispirata alla poesia composta dell’ex moglie dell'artista, Asdís Sif Gunnarsdóttir e composta da Kjartansson, con alcune aggiunte di David Thor Jonson, così come bellissima anche la dimora ottocentesca di Rokeby Farm, nell’Upstate New York, dove sono ambientate le riprese.

Ragnar Kjartansson, The Visitors: salotto.

Un totale di nove tracce audio e video, girate separatamente e proiettate contemporaneamente in cui la musica costituisce, come lo stesso artista afferma, un “elemento quasi plastico” utilizzato per realizzare il concetto di “Music in Space”, che trae origine dal principio di spazializzazione del suono di Karlheinz Stockausen.

Ragnar Kjartansson, The Visitors: bagno.

In questo modo, la performance di ciascun musicista viene messa nelle mani dello spettatore che può iniziare a giocare e a ricostruire il puzzle, in un’arbitraria operazione di montaggio audio-video, che varia al variare dei suoi movimenti all’interno dello spazio. La cosa impressionante è che sembra veramente di passeggiare tra le stanze di Rokeby Farm, di potersi soffermare sull’uscio delle varie porte e di osservare e ascoltare gli artisti nei singoli ambienti, risucchiati in un’atmosfera di nostalgia e vitalità, tra polvere e arte.

Ragnar Kjartansson, The Visitors; cucina

Ragnar Kjartansson, The Visitors: camera matrimoniale

Ragnar Kjartansson, The Visitors: salotto.

Ragnar Kjartansson, The Visitors.

Ben Stiller e "I sogni segreti di Walter Mitty"

The secret life of Walter Mitty

Titolo originale The Secret Life of Walter Mitty

Regia: Ben Stiller

Scritto da: James Thurber

Musica composta da: Theodore Shapiro

Cinematografia: Stuart Dryburgh

Cast: Sean Penn, Ben Stiller, Kristen Wiig, Shirley MacLaine, Adam Scott, Kathryn Hahn

Regia: Ben Stiller

Titolo: I sogni segreti di Walter Mitty

Prima data di uscita: 25 dicembre 2013 (Stati Uniti d'America)

Durata: 114 min

Perché a volte preferisco vivere un’emozione in maniera diretta piuttosto che dietro l’obiettivo, così mi capita di non scattare e restare a guardare, Sean O’Connell

Quando ero piccola trascorrevo ore e ore a sognare, a visualizzarmi nel mio futuro glorioso. Poi è successo qualcosa, la discrepanza tra la vita reale e le mie fantasie è diventata intollerabile e io inconsciamente ho ucciso i miei sogni.

Me ne sono resa conto la vigilia di Natale, quando, avendo finito il master, avendo già pulito casa, non dovendo cucinare ne’ fare la spesa, sono rimasta intrappolata in casa dalla pioggia. Mi sono stesa sul divano per riposarmi, ma di dormire non se ne parlava proprio. Per occupare quell’oretta che mi separava dal cenone con amici e parentado mi sono sforzata di fare un sogno ad occhi aperti, di visualizzare il mio futuro, così come avevo letto su una rivista di psicologia. Non ce l’ho fatta e la cosa mi ha sconvolto.

Come può una persona rimanere talmente intrappolata nel presente, e forse in parte anche nel passato, da non riuscire neanche ad immaginarsi tra un anno?

Ci ho riprovato il giorno dopo e, con grande fatica, ho cominciato a vedere qualcosa. Dapprima me stessa in una versione più snella e brillante, poi un uomo nel mio appartamento che mi osserva seduto sul divano mentre gioco con una bambina, già grande, sui quattro-cinque anni. Niente di straordinario forse per qualcuno, ma per me che non faccio che pensare a libri, film, marketing e comunicazione digitale e social network è stato tanto. Vuoi vedere che al di là del mio naso c’è un mondo?

Poi arriva il 26 dicembre e il problema si ripropone: come la trascorro quest’intera giornata? Decido di andare al cinema con degli amici e il caso vuole che anche il film votato dalla maggioranza sia una nuova spinta a buttarsi e a riprendere sognare e a pretendere dalla vita quello che desideriamo.

Un uomo qualunque sospeso tra una grigia realtà e una spericolata fantasia è infatti il protagonista al centro di The Secret Life of Walter Mitty, la quinta prova di regia per Ben Stiller dopo Zoolander, Tropic Thunder, Giovani carini e disoccupati e Il Rompiscatole.

Interpretato da un Ben Stiller ormai fuori dagli stretti panni del semplice attore comico, il film è un inno alla vita e un sottile invito a esistere tratto dal breve racconto The Secret Life of Walter Mitty dello scrittore-disegnatore James Thurber, scritto nel 1939 per il New Yorker (il film ne è il secondo adattamento cinematografico dopo quello del 1947 con Danny Kaye, Virginia Mayo e Boris Karloff).

Ma chi è Walter Mitty?

Walter Mitty è uno di noi, in fondo. Semplice, timido e riservato, un po' impacciato, e per questo sempre in difficoltà nei rapporti interpersonali, Mitty è una specie di “topo d’archivio” che si occupa della gestione dell’immenso archivio fotografico della rivista Life (lo stesso giornale dove un giovane Stanley Kubrick faceva i suoi primi scatti da fotoreporter, prima di diventare un regista). Segretamente innamorato della collega Cheryl (interpretata da Kristen Wiig), Mitty spezza la sua apatica esistenza sognando a occhi aperti un mondo elettrizzante in cui è il protagonista di imprese emozionanti, dove tutto va per il meglio e la vita è entusiasmante, finchè, spinto dalla minaccia di un possibile licenziamento dovuto al passaggio della testata dal cartaceo all’online - e al conseguente ridimensionamento dello staff - , prende finalmente l’occasione al volo e decide di gettarsi nella vita.

Il pretesto è il recupero della fotografia speciale che farà da copertina all'ultimo numero da pubblicare, lo scatto migliore che il fotoreporter Sean O’Connel (interpretato da Sean Penn) gli ha inviato appositamente per l’ultima uscita della rivista in quanto a suo dire cattura la quintessenza di Life magazine. Ma il negativo dell'immagine non si trova così facilmente, e Walter dovrà rincorrere per tutto il globo le tracce del misterioso artista, da New York all’Islanda utilizzando gli altri negativi in suo possesso come traccia: si tratterà di un viaggio fantastico che permetterà al protagonista di trovare il proprio posto nel mondo e i toccare con mano la propria esistenza.

Una volta trovato Sean O’Connell, emblema del foto-documentarismo pre-digitale duro a morire, il reale e il virtuale, la vita e la fantasia si incontrano per un istante, come esprime alla perfezione Sean Penn nel momento in cui decide di non immortalare il fatidico gatto fantasma che ha atteso per ore e ore dietro l’obiettivo «Perché a volte preferisco vivere un’emozione in maniera diretta piuttosto che dietro l’obiettivo, così mi capita di non scattare e restare a guardare»

Arctic Monkeys: "Do I Wanna Know"

"Have you got colour in your cheeks?
Do you ever get the feeling that you can’t shift the tide
 That sticks around like something’s in your teeth 
And some aces up your sleeve
I had no idea that you’re in deep
I dreamt about you near me every night this week
 How many secrets can you keep?
Cause there’s this tuneI found that makes me think of you somehow
 When I play it on repeat 
Until I fall asleep
 Spilling drinks on my settee".

Tra le cose che vorrei fermare e impedire di scorrere via nel marasma di immagini, suoni, persone, messaggi, colori che invadono costantemente la mia vita c'è Do I Wanna Know, il video fatto di sole animazioni grafiche che il regista David Wilson ha diretto per gli Arctic Monkeys. 

Si tratta del primo singolo tratto dal loro quinto album "AM" che la rockband di Alex Turner ha pubblicato a Settembre. Lo voglio inserire tra le cose da non dimenticare perché mi piace la nuova direzione intrapresa dalle scimmie artiche. Vediamo dove ci porterà...

Viva PIF e il suo film ‘La mafia uccide solo d’estate’

Arturo: “Ma la mafia ucciderà anche noi?”
Il padre di Arturo: “Tranquillo. Ora siamo d’inverno. La mafia uccide solo d’estate”.

Bravo Pif! E’ il commento più in voga tra chi esce dalle sale in cui in questi gio

rni viene proiettato il suo primo film ‘La mafia uccide solo d’estate’, perché Pif non è uno di quei registi che ci si immagina impegnato nei grandi eventi mondani: Pif è uno di noi, uno che potresti incontrare quando vai al supermercato o in un pab mentre bevi una birra.

Girato a Palermo grazie al supporto dell’associazione Addiopizzo, il film è il risultato di un sapiente mix di elementi di finzione e filmati d’epoca che raccontano le stragi mafiose che sconvolsero la Sicilia tra gli anni ’80 e ’90 attraverso gli occhi ingenui di un bambino, Arturo. In questo modo vicende autobiografiche si sovrappongono a quelle storiche, con un effetto ironico e

Arturo infatti nasce nel giorno in cui Vito Ciancimino diventa Sindaco di Palermo e cresce nella Palermo surreale degli omicidi e delle stragi: quella di Viale Lazio del 1969, dell’omicidio del generale Dalla Chiesa, di Boris Giuliano, di Pio La Torre e Rocco Chinnici fino ad arrivare alle bombe di Capaci e di via D’Amelio del 1992. Qui inizia la sua carriera precoce di giornalista in erba, influenzata da due elementi principali: la mafia e Andreotti, che diventa il suo “divo” personale, venerato con tanto di poster appiccicato nella sua stanzetta. L’amicizia con un reale giornalista, l’intervista al generale Carlo Alberto Dalla Chiesa poco prima della sua uccisione, l’esperienza di una mafia rappresentata come un male socialmente accettato segnano i primi passi nel mondo del giornalismo, mentre sul piano amoroso c’è uno stallo totale: Arturo è da sempre innamorato di Flora, sua compagna di scuola dai toni un po’ altezzosi che si trasferirà in Svizzera ma che rientrerà nella sua vita come assistente di Salvo Lima. Allo stesso modo anche i personaggi del film, così come è successo e succede ancora nella vita reale, si dividono in due tipologie, chi cerca di capire e combattere Cosa Nostra e chi invece si è girato dall’altra parte e non vede niente.

In questo modo PIF diverte e commuove, giocando su più registri e muovendosi con agilità al confine tra ironia e dramma, dimostrando che si possono affrontare temi seri e di un certo peso, come la mafia, anche con un sorriso. Il cast lo accompagna in questa missione: bravi soprattutto Alex Bisconti nell’interpretare Arturo bambino e Ginevra Antona nel ruolo di Flora, l’amatissima compagna di scuola di Arturo.

Un film digeribile, nonostante la serietà del tema trattato, anche grazie alla tecnica di ripresa ed al linguaggio che Pif è solito utilizzare in tv: l’idea del film nasce infatti dalla puntata sulla mafia del programma che conduce su Mtv, Il Testimone, un’idea vincente come confermato dal “premio del pubblico” ricevuto al Torino film festival 2013.

Insomma, grande Pif!

Pif in due righe:

Pierfrancesco Diliberto, in arte Pif, nato e cresciuto a Palermo, è il figlio del regista Maurizio Diliberto e ha già collaborato a diversi film: Un tè con Mussolini (1998) di Franco Zeffirelli, I cento passi (2000) di Marco Tullio Giordana.

Il suo esordio come autore su Italia 1 risale al 2001, in cui debutta come Iena, mentre nel 2007, su MTV, dà vita al suo primo programma individuale, Il testimone, in cui emerge come reporter molto particolare.

"La promessa": ovvero quando Sean Penn è tornato a sorprendermi

"Ho fatto una promessa Eric; tu hai l'età per ricordarti di quando questo contava"

Detective Jerry Black (Jack Nicholson)



Titolo originale: The Pledge

Anno: 2001

Genere: drammatico

Regia: Sean Penn

Soggetto: Friedrich Dürrenmatt

Sceneggiatura: Jerzy Kromolowsky, Mary Olson-Kromolovski

Fotografia: Chris Menges

Produttore: Michael Fitzgerald, Sean Penn, Elie Samaha

Musiche: Klaus Badelt, Hans Zimmer

Interpreti e personaggi:

Jack Nicholson: Jerry Black
Robin Wright Penn: Lori
Patricia Clarkson: Margaret Larsen

Benicio del Toro: Toby Jay Wadenah

Ogni tanto non riuscire a dormire porta a grandi risultati. Questa notte sono incappata per caso in un vecchio film diretto da Sean Penn e, memore di Into the wild (altro film in cui si è cimentato nei panni di regista), ho optato per l'abbandono definitivo del mio stato di fastidioso dormiveglia per concentrarmi interamente su questo gioiellino.

Ispirato all'omonimo romanzo poliziesco di Friedrich Dürrenmatt, La promessa (The Pledge) è un film che, al contrario del libro, è ambientato nella provincia americana dei nostri giorni, fra le montagne del Nevada.

Qui, Jerry Black (Jack Nicholson), un poliziotto ossessionato dal brutale omicidio di una bambina, non è soddisfatto di come si è conclusa l'indagine, ovvero con il semplice arresto di un balordo (che in realtá non centrava niente e che si uccide nel commissariato).

Per questa frustrazione che non gli fa trovare pace, Black inizia una silenziosa caccia all'uomo: si ritira nella zona, compra un distributore di benzina in cui lavora in solitudine, conosce la barista del posto, con cui va a vivere e aspetta che il folle si faccia di nuovo vivo pensando ogni momento a lui.

Insieme alla donna, nella vita dell'ex poliziotto entra anche la figlia di lei (dell'età delle bimbe uccise) , di cui Black, ossessionato dall'uomo, non esita a servirsi come esca per poi mandare definitivamente la sua vita a rotoli e precipitare nella follia.

Trama a parte, il film, presentato in concorso al 54º Festival di Cannes, non può essere definito un tipico giallo: il lirismo dell’atmosfera, la direzione di Sean Penn e la magistrale presenza dell'istrionico Jack Nicholson rendono La promessa (The Pledge) un film da non perdere dove nulla viene lasciato al caso ed ogni cosa è intrisa di denso significato.

A partire dalle immagini-cartolina distribuite nella pellicola, compresa l'immagine del finale con cui inizia il film, in cui corvi (simbolo funereo) che volano in un paesaggio soleggiato ripreso in dissolvenza, ti fanno immergere prepotentemente nell'atmosfera che Sean Penn vuole ricreare.

Giovani Ribelli - Kill your Darlings: una Beat Generation in utero

Regia: John Krokidas

Soggetto e sceneggiatura: John Krokidas

Fotografia: Reed Morano

Musiche: Nico Muhly

Interpreti: Daniel Radcliffe (Allen Ginsberg), Dane DeHaan (Lucien Carr), Elizabeth Olsen (Edie Parker), Michael C. Hall (David Kammerer), Ben Foster (William Burroughs)

Origine: U.S.A., 2013

Durata: 143’

Allen Ginsberg, William Burroughs, Jack Kerouac. I giovani padri maudit della Beat Generation sono tutti presenti in Giovani Ribelli - Kill your Darlings, un film fresco e appassionato dell'esordiente John Krokidas, premiato alle Giornate degli autori della 70ma Mostra del cinema di Venezia.

La storia è ambientata infatti nel 1944, quando i tre protagonisti, ancora acerbi e non consapevoli di ciò a cui daranno vita con la loro penna, incontrano il vero protagonista del film, Lucien Carr (Dane DeHaan), motore culturale e sessuale della storia, che farà esplodere la pazzia del gruppo, dando a Ginsberg (Daniel Radcliffe), Kerouac (Jack Huston) e Burroughs (Ben Foster) la consapevolezza di avere qualcosa di importante da dire e li spingerà verso la ribellione contro l'università, contro i genitori e il mondo per creare la controcultura Beat.

L’educazione sentimentale e poetica del piccolo Allen Ginsberg, matricola della Columbia University che sta per compiere 18 anni, inizia infatti nel momento in cui viene sedotto da un gruppo di giovani ribelli della letteratura che lo iniziano alla vita e alla poesia: tra loro c'è un William Burroughs (Ben Foster) ancora trentenne che, come lo stesso Ginsberg, non ha ancora scritto una parola e un Jack Kerouac (Jack Huston) agli albori della gloria.

Ginsberg osserverà le vite dei suoi amici mentre vanno alla deriva, tra droga, eccessi, lussuria, gelosie, problemi con i genitori e con le istituzioni in genere e vedrà crescere in lui una passione omosessuale perturbante nei confronti di Lucien Carr, che risponderà alle sue attenzioni con momenti di affetto e pulsioni profonde interrotte da momenti di civetteria da ragazzina tredicenne (tra l'altro, voci dicono che Dane avrebbe detto di “essersi innamorato” di Daniel sul set).

Il film non indugia tanto sul lato letterario della vicenda, dunque, quanto su quello umano, e ritrae gli scrittori ribelli nelle vesti di semplici ragazzini negli anni universitari, in cerca di una fuga dal classico, di una rottura degli schemi, di una libertà di espressione consona alle loro grandi aspirazioni. Una sorta di ricerca delle origini del mito insomma.

Anche il Ginsberg che ci viene presentato è un Ginsberg che non siamo abituati a vedere: l'ormai 24enne Daniel Radcliffe lo interpreta negli anni del passaggio da bravo figlio represso e rispettoso ad audace poeta della Beat Generation, turbato dal rapporto drammatico con la madre a cui era molto legato e che era affetta da una rara malattia psichica.

Un film duro che parla di libertà e delle conseguenze che riuscire a raggiungerla comporta, che si conclude col celebre delitto a sfondo sessuale di David Krammerer maturato proprio tra quei ragazzacci ribelli che rivoluzioneranno la letteratura americana.

Musica notevolissima, infine, di Nico Muhly, che spazia da Jo Stafford alle Andrews Sisters, con un gran brano di Pete Doherty che chiude il film.

Insomma, bella la gioventù, l'arte, la poesia, la sessualità incerta e tormentata, e quindi per la proprietà transitiva, bello anche il film.

Il responsabile delle risorse umane....è tra noi? E soprattutto, è umano?

Titolo: Il responsabile delle risorse umane
Titolo originale: The Human Resources Manager
Regia: Eran Riklis
Attori principali: Mark Ivanir, Guri Alfi, Noah Silver, Rozina Cambos, Julian Negulesco.
Genere: Drammatico
Durata: 103 min.
Uscita: Dicembre 2010.

Vista dall'esterno, da chi non conosce questa professione, il mestiere del responsabile delle risorse umane, così come degli addetti al reparto delle risorse umane, può riassumersi in due paroline magiche: assumere e licenziare. E quindi selezionare i candidati, chiamarli a colloquio e decidere della loro sorte, nel bene e nel male.

Talmente meccanico che alla fine uno si abitua a tutto e si ripara dietro ad una cortina di ferro che trasforma candidati e dipendenti in persone qualunque, senza una vera identità e senza un vero volto da ricordare.

E' quello che succede al protagonista de Il responsabile delle risorse umane di un panificio industriale di Gerusalemme, messo alle stretta da un giornalista d'assalto per non essersi interessato alla morte tragica di una sua dipendente, rimasta uccisa in un attentato terroristico in Israele.

Un mix di senso di colpa e il fatto che nessuno reclama il corpo della donna fanno il resto: la decisione di partire con il feretro della ragazza alla ricerca di un parente che si presti a riconoscerla porterà il manager in un villaggio rumeno, allontanandolo dal suo lavoro che lo assorbe al cento per cento e da una famiglia in cui è già poco presente.

Un road movie israeliano insolito, dalla trama originale, tratto da un romanzo di Abraham B. Yehoshua, in cui seguiamo i personaggi nel loro viaggio fisico e spirituale sulle strade di un'Europa gelida e sterminata, che li farà crescere, scoprire, accettare e incontrare, alla scoperta di un'umanità perduta che verrà ritrovata proprio in quell'est Europa dimenticato e sottostimato. Il cambiamento è dimostrato dalla riscoperta dei nomi dei personaggi, della loro identità, mentre all'inizio del film essi venivano contraddistinti meramente dal ruolo sociale ricoperto: la lavapavimenti, il responsabile delle risorse umane, il giornalista, il console israeliano ecc.

Tutto sommato Il responsabile delle risorse umane è un film surreale, altrettanto duro quanto ironico, in cui Eran Riklis si allontana dalla magnificenza e dal conflitto eterno de Il giardino dei limoni, per assumere quasi i toni di farsa (un tank come carro funebre) pur celando una profonda riflessione sull'illogicità, l'indifferenza e la frenesia del mondo moderno.

"Come un tuono", una sorpresa.

Titolo originale: “The Place Beyond the Pines”
Genere: Drammatico
Regia: Derek Cianfrance
Sceneggiatura: Derek Cianfrance, Ben Coccio, Darius Marder
Musiche: Mike Patton
Durata: 140 minuti
Cast: Ryan Gosling, Eva Mendes, Bradley Cooper, Rose Byrne, Craig Van Hook, Olga Merediz, Anthony Angelo Pizza Jr., Mahershala Ali, Rev. John Facci, Ben Mendelsohn
Fotografia: Sean Bobbitt
Paese: USA 2013

Anche questa volta sono andata al cinema sapendo poco o niente del film che andavo a vedere e anche questa volta mi sono stupita. A mia discolpa bisogna però dire che titoli, locandine, ma anche in parte gli stessi trailer, invece di svelare il film lo nascondono ancora di più, lasciando un velo di dubbio sul potenziale spettatore.

Questa sera ho osato spendere i benedetti 7 Euro per Come un tuono, un film in cui poesia e drammaticità hanno danzato per due ore sotto lo sguardo d'autore del regista Derek Cianfrance, trentanovenne statunitense al suo terzo cortometraggio (tra i precedenti l’interessante Blue Valentine con lo stesso Gosling), uno sguardo silenzioso, complesso, lacerato e dark, dove l'unica via d'uscita sembra essere il crimine.

Come un tuono, in breve, racconta la storia di quattro uomini, e di due generazioni, che lottano per lasciarsi alle spalle un passato sanguinoso, di legami tra padri e figli che si costruiscono e si distruggono, di destini segnati da un passato che torna a bussare alla porta e rivendica attenzioni, nel bene e nel male.

Scendendo più nei dettagli, nella prima parte del film il protagonista principale è Luke (Ryan Gosling) uno stuntman, schivo e taciturno, un "duro" nomade e vagabondo che si esibisce in un circo, nello spettacolo del "Gioco della morte", compiendo una serie di incredibili evoluzioni a tutta velocità con la sua moto, rinchiuso all'interno di una gabbia sferica di acciaio.

Dopo aver rincontrato una sua ex-amante, Romina (Eva Mendes) e aver scoperto della nascita di suo figlio, lascia lo spettacolo ambulante del “Globo della morte” in cui ogni sera si esibisce. Siamo  per le strade secondarie di Schenectady, nello Stato di New York, e Luke decide di darsi alle rapine, sfuttando le sue straordinarie capacità di pilota, per mantenere Romina e il figlio, che però nel frattempo si è già trovata un altro uomo.

La posta in gioco si alza quando Luke si trova ad affrontare l'agente di polizia Avery Cross (Bradley Cooper), che farà di tutto per incastrarlo, riportando a galla vecchie storie irrisolte.

Tutto questo da il via alla seconda parte del film, un vero e proprio film nel film, in cui i peccati commessi nel passato si rifletteranno sulla vita di due liceali.

L’unico rifugio allora sembrerà essere quello che in lingua mohawk viene definito “the place beyond the pines”, il posto al di là del bosco di pini, da cui deriva il titolo originale in inglese.

E il cerchio si chiude...anzi è proprio la figura del cerchio che caratterizza questo film sia formalmente (la sfera dello stuntman, la ruota panoramica) sia narrativamente (il ritorno di Luke dopo un anno, i figli che reiterano i comportamenti dei padri), dando l'idea di un destino già da tempo segnato.

Con questo film fortemente voluto e passato per ben 37 riscritture nell’arco di cinque anni prima di trovare un produttore, Derek Cianfrance riconferma così la sua bravura registica e il suo stile caratterizzato da scene volutamente lente, dove l’attenzione si concentra sui corpi degli attori, sui loro volti e sui loro sguardi, cercando di catturare il sentimento nell'immagine. Nonostante questo, per quanto non manchino attori all'altezza del proprio ruolo (da Bradley Cooper a Eva Mendes, fino a Ryan Glosling,  Ray Liotta e Rose Byrne), rimangono diversi punti irrisolti che non riescono ad espletarsi al termine del film, che lascia un bel ricordo, non però incancellabile.

Educazione Siberiana, l'Eastern di Salvatores

Titolo originale: Educazione siberiana

Regia: Gabriele Salvatores

Soggetto: Nicolai Lilin

Sceneggiatura: Gabriele Salvatores, Stefano Rulli, Sandro Petraglia

Lingua originale: Inglese
Paese di produzione: Italia
Anno: 2013
Durata: 110 min
Genere: Drammatico

“È folle volere troppo. Un uomo non può possedere più di quello che il suo cuore può amare!”. Nonno Kuzja

“L’educazione siberiana è uno strano tipo di educazione. E’ un’educazione criminale, ma con precise e, a volte sorprendentemente condivisibili, regole d’onore”. Gabriele Salvadores

“Dobbiamo avere rispetto per tutte le creature viventi, eccetto la polizia, i banchieri, gli usurai. Rubare a queste persone è permesso”. Nonno Kuzja

"La fame viene e scompare, ma la dignità, una volta persa, non torna mai più". Nonno Kuzja

Educazione Siberiana, l’ultimo film del regista premio Oscar Gabriele Salvatores ancora in programma in molti cinema italiani, può essere definito un tentativo riuscito del cinema italiano di oltrepassare i confini nazionali. Tratto dall’omonimo romanzo di Nicolai Lilin e ambientato in una regione meridionale della Russia (Transnistria, Moldavia Orientale) tra il 1985 e il 1995, il film descrive infatti un mondo molto lontano da quello a cui siamo abituati e da quello che ci si potrebbe aspettare di vedere in una pellicola diretta da un regista italiano.

I due protagonisti principali sono due ragazzini, Kolima e Gagarin, due amici di sangue e di affetto a cui viene impartita da Nonno Kuzja (l’incredibile John Malkovich) la cosiddetta “educazione siberiana” del clan degli Urka, un’intera comunità di criminali siberiani trapiantata a Fiume Basso, in cui vigono regole tanto semplici quanto ferree e spartane che non è possibile violare senza andare incontro a severe punizioni, incluso l’allontanamento dalla comunità se non proprio la morte.

I due vengono così armati di picca e iniziati alle rapine dal saggio Malkovich, che insegna però loro anche il ferreo codice etico e comportamentale che gli Urka devono rispettare: rubare è lecito ma solo a polizia, banchieri e usurai; è vietato possedere più denaro di quello necessario; non si possono conservare soldi in casa poiché sono considerati una cosa sporca; è vietato avere a che fare con la droga; è necessario rispettare gli anziani e proteggere i deboli.

Crescendo però, i “sani” principi dei due ragazzi si devono scontrare con un mondo caratterizzato da un sistema di valori in declino, quale era la Russia all’epoca del crollo del muto di Berlino e del disfacimento dell’allora immensa URSS, in grado di travolgere non solo loro stessi, ma anche l’intera comunità a cui appartengono. Anche all’interno del clan dei “criminali onesti” inizia a prendere piede la corruzione e l’aria “viziata” dell’ovest, un pericolo che porterebbe a un cambiamento irrimediabile.

Emerge così il tema universale della doppia anima che convive in ciascuno di noi e dei possibili noi che si realizzano: Gagarin, una volta ritrovata la libertà dopo essere stato in carcere sette anni per rapina, ricerca un futuro diverso da quello dei “criminali onesti” e diventa un pericolosissimo criminale-terrorista islamico, mentre Kolima sceglie di continuare a seguire le leggi dei padri, intraprendendo l’importante mestiere del tatuatore, anche se per scovare l’uomo che ha violentato Xenja, la figlia del medico locale affetta da demenza (del quale lui però sembra essere innamorato) si arruola nell’esercito russo e sarà costretto ad infrangere parte dei suoi codici d’onore.

E non dico altro della trama per non rischiare di far perdere il gusto della visione.

Vorrei invece evidenziare la particolare attenzione riservata ai tatuaggi, che  nella tradizione russa non vengono fatti per ragioni estetiche o per scolpire un ricordo così come in Occidente, ma per raccontare la propria vita: è il tatuatore che, dopo avere ascoltato la tua storia, decide cosa tatuarti addosso. Ed è per questo motivo che se due siberiani desiderano conoscersi a fondo, la prima cosa che fanno è una sauna insieme in cui possono leggersi reciprocamente i corpi, e quindi le storie che questi conservano. Non è un caso che lo stesso Lilin viva in Italia dal 2003, dedicandosi a tempo pieno alla nobile arte del tatuaggio.

In questo modo Salvatores è riuscito così a costruire un altro film degno di nota per tecnica e immagini, che segna nella sua carriera un vero e proprio cambio di rotta rispetto ai suoi ultimi lavori e che è in grado di raggiungere un pubblico trasversale, anche se è stato accusato dalla critica di mancanza di sceneggiatura e di un finale troppo rapido e poco comprensibile.

Vincente anche la scelta del cast, costituito in modo estremamente eterogeneo e per lo più da bravi esordienti, quali Arnas Fedaravicius e Vilius Tumalavicius, alla loro prima esperienza cinematografica, eccezion fatta per John Malkovich - attore, regista e produttore con una lunga carriera alle spalle - e per la giovane promessa Eleanor Tomlinson, nel ruolo di Xenja, la ragazza con disturbi mentali.

Due parole anche sul giovane Lilin, scrittore russo naturalizzato italiano, classe 1980, alla sua prima opera prima, di cui si narra che dopo aver visto Mediterraneo abbia chiesto a Salvatores di dirigere la trasposizione cinematografica del suo romanzo (scritto interamente in lingua italiana, sebbene tradotto in 14 lingue).