Il ragazzo invisibile, ovvero quando anche i supereroi sbarcarono in Italia

Titolo: Il ragazzo invisibile

Regia: Gabriele Salvatores
Genere: Fantastico

Cast: Ludovico Girardello, Noa Zatta, Valeria Golino, Fabrizio Bentivoglio, Christo Jivkov, Ksenia Rappoport

Sceneggiatura: Alessandro Fabbri, Ludovica Rampoldi e Stefano Sardo
Fotografia: Italo Petriccione
Paese: Francia, Italia, Irlanda
Durata: 100 min.
Uscita: giovedì 18 dicembre 2014.

Sito del progetto: http://www.ilragazzoinvisibile.it/
Pagina Facebook: https://www.facebook.com/ilragazzoinvisibile?fref=photo

"Ho sempre pensato che l'ADOLESCENZA fosse uno dei periodi più difficili nella vita di un essere umano. Il tuo stesso corpo diventa un estraneo, ti guardi allo specchio e non ti riconosci, senti che dentro di te sta nascendo un potere (un super potere?) che non sai come usare... Anche perché ancora non hai ben capito chi sei e che posto hai nel mondo.

Sono sicuro che tutti gli adolescenti si sono sentiti almeno una volta "INVISIBILI". O avranno desiderato esserlo. E tutti, almeno una volta, avranno desiderato di avere un potere speciale che li protegga o li renda eroi almeno "just for one day", come canta David Bowie. Io non ho figli ma, forse proprio per questo, mi è capitato, negli ultimi anni, di girare già tre film con protagonisti adolescenti: sono il nostro futuro e io, che faccio il regista, sento il dovere di contribuire al loro immaginario."

G. Salvatores.

Salvatores continua la sua sperimentazione in campo cinematografico, provando questa volta a stupire il pubblico con un genere inspiegabilmente trascurato in Italia.

Arrivato sul grande schermo il 18 Dicembre, ad un passo da Natale, Il Ragazzo Invisibile, può essere infatti considerato il primo cine-comics italiano ed è giudicato da molti il primo vero film “nerd” italiano.

La scommessa di Salvatores è quella di soddisfare un pubblico ormai abituato ai cine-comics cimentandosi con una storia di supereroi all'interno di un film per ragazzi, avendo a disposizione un budget complessivo di solo 8 milioni i dollari a fronte dei 150 milioni di dollari standard dei grandi franchise.
Il genere fantastico non è molto frequentato dal nostro cinema, ma la Indigo ha utilizzato il successo e gli incassi ottenuti con la produzione di un film d'autore, La grande bellezza di Sorrentino, per costruire le fondamenta di una strada italiana al fantasyi e finanziare un film di genere più tipicamente americano e comunque inusuale per l’Italia.

Ambientato a Trieste, il film è la super storia di due adolescenze che si cercano, quella di Michele e quella di Stella (Noa Zatta), una storia in cui vengono tessuti elementi presi da diverse mitologie dei fumetti. Ci sono suggestioni da Superman, agli X-Men, fino all’Uomo Ragno e a Batman, nonché l'uso di effetti speciali, da quelli di Méliès a quelli 3D di ultima generazione.

L'esordiente Ludovico Girardello nel film veste i panni di Michele, un adolescente tormentato dai bulletti della scuola, ignorato dalle ragazze, alle prese con la timidezza e con un senso di inadeguatezza e insicurezza che non lo abbandona mai. Nel corso del film si scoprirà 'speciale' e questa nuova consapevolezza lo aiuterà a vivere il primo amore, ad affrontare il bullismo dei suoi compagni e a reggere le pressioni di Valeria Golino, che nel film è invece una madre chioccia e in divisa.

Il suo dono è infatti l'invisibilità, il superpotere piú intimo e discreto perchè puoi solo sparire.

E, come dice Spider Man: "Grandi poteri generano grandi responsabilitá".

Una storia che potrebbe benissimo prevedere uno o più sequel che lo stesso Salvatores si è dimostrato più che disponibile a dirigere, un film emozionante, pensato per un pubblico giovane, in cui, accanto all’aspetto fumettistico e super eroistico della storia, con più di un tributo ad altri supereroi americani, Salvatores mette in luce anche un'umanità dei personaggi più tipicamente italiana. Senza dimenticare la poetica che contraddistingue tutti i film di Salvatores.

In questo senso la regia si allontana dal classico film Marvel e rimane più fedele all’idea di raccontare una storia simile a quella di Lasciami entrare, ambientata nel mondo dei supereroi ma pur sempre focalizzata sui personaggi e i loro tormenti.

Il ragazzo invisibile non si limita però ad essere solo un semplice film, essendo in realtà un progetto più grande che include una graphic novel prodotta da Panini, incentrata su avventure parallele dei personaggi del film, oltre che un romanzo vero e proprio pubblicato da Salani Editore. Si tratta di un romanzo corale, in cui eventi e personaggi del film vengono approfonditi e in cui anche i personaggi minori vengono trasformati in coprotagonisti della storia.

A film, fumetto e romanzo va poi aggiunta tutta una serie di proprietà intellettuali che vanno dal logo degli speciali fino al costume, tutte sfruttabili commercialmente.

Anche la colonna sonora del film ha una storia particolare, essendo il risultato di un connubio tra le musiche originali firmate da Ezio Bosso e Federico De’ Robertis e i brani crowdsourced vincitori dell’iniziativa “Una canzone per Il Ragazzo Invisibile”, volta a dare l’opportunità a musicisti di età compresa fra i 18 e i 25 anni, senza etichetta di proporre un proprio inedito ispirato ad una scena del film.

Questi i fortunati tra più di 400 partecipanti:

- WRONG SKIN (M. Cipolla)

eseguito da Marialuna Cipolla

- HALLOWEEN PARTY (L. Benedetto)

eseguito da Luca Benedetto, Emiliano Bagnato

- IN A LITTLE STARVING PLACE (A.Viglino)

eseguito da Carillon

Ultima annotazione riguarda la fotografia straordinaria, che rende Trieste lo sfondo perfetto di un fantasy dall'incedere avvincente.

'Funny Girl' e la qualità potenzialmente eversiva della comicità

Titolo: Funny Girl
Scritto da: Nick Hornby
Editore: Guanda
Numero pagine: 373

“BARBARA NON VOLEVA DIVENTARE REGINETTA PER UN GIORNO, E NEMMENO PER UN ANNO.
NON VOLEVA DIVENTARE REGINETTA E BASTA.

VOLEVA SOLO ANDARE IN TELEVISIONE E FAR RIDERE LA GENTE." 

A consacrare l'indiscusso successo dello scrittore inglese Nick Hornby, dal 20 novembre scorso si è aggiunto 'Funny Girl', un romanzo ambientato negli anni della Londra dei primi anni Sessanta, quando i Beatles stavano cambiando la storia della musica e l'omosessualità era un reato penale.

'Funny girl' è un libro popolato da una serie innumerevole di personaggi della tv, registi, autori, attori e incentrato sul tema della sit com.
Siamo nei dorati anni '60 quando la meravigliosa Barbara Parker rifiuta il suo destino di "Miss Regina di Bellezza di Blackpool" per trasferirsi nella Swinging London e seguire le orme del suo idolo Lucille Ball, la famosa attrice comica degli anni Cinquanta. Perché "le reginette non fanno mai ridere" e lei invece vuole far ridere.

La scelta è vincente: Barbara diventerà in poco tempo Sophie Straw, la donna che ha rivoluzionato la tv diventando la star di 'Barbara (e Jim)', una popolare sit-com della BBC che lei stessa contribuisce a creare.

Sophie, che per stessa ammissione di Nick Hornby ricorda un po' Rosamund Pike di An Education, è una ragazza che vuole far ridere in un mondo in cui la comicità è appannaggio dei maschi.

Sullo sfondo tutto la bellezza e la bassezza del mondo dello showbiz, con le sue infinite idiosincrasie.

Uno sguardo nostalgicamente vivace, sempre attento ai cambiamenti in atto nella società, in grado di mixare sapientemente fiction e realtà: nel libro si mescolano titoli di programmi inventati a quelli realmente andati in onda, fatti puramente inventati a questioni care all’epoca rappresentata, come la liberazione sessuale e l’omosessualità, il divorzio, il diritto all’intrattenimento, al piacere, in opposizione a una concezione elitaria o punitiva della cultura.


Le cose che amo:

Nick Hornby è si riconferma scrittore e sceneggiatore dotato dell'elegante ironia a cui ci ha reso 'addicted', unita ad uno stile originalissimo che non stanca mai.

Con un grande senso del ritmo e con la cura per il linguaggio è riuscito anche questa volta a dare vita ad una prosa sobria, con una scrittura sempre molto empatica.

20.000 DAYS ON EARTH - Un viaggio per immagini e musiche negli abissi di Nick Cave

"Sono felice di sapere che ciò che faccio ispira scrittori e pittori, è un gran complimento per me. L’arte dovrebbe essere sempre uno scambio."
- Nick Cave-



"Il fuoco sacro dell'ispirazione non scende dal cielo. L'ispirazione è un bisogno che va alimentato. E perciò io vado in ufficio tutte le mattine, per cercarla... Ci vado tra le 8 e le 9, ogni giorno, e lì non trovo alcuna distrazione: solo una tastiera e una scrivania." 
- Nick Cave.

Un cuore vivente e pulsante contornato di spine. Lo definirei così 20,000 Days on Earth, il film che vede Nick Cave nei panni di se stesso, arrivato nelle sale italiane soltanto per 2 giorni, il 2 e 3 dicembre.
Un'ora di poesia allo stato puro, scritta e diretta dai due visual artists britannici Iain Forsyth e Jane Pollard con la collaborazione dello stesso Nick Cave.

"20.000 giorni sulla terra", proprio come quelli trascorso sulla terra da Cave: la base di partenza del film è stata infatti un'annotazione scribacchiata dall'artista australiano nel suo diario in cui si accorgeva di aver raggiunto i 20.000 giorni di vita. Da qui l'idea di mettere in scena la cronaca di un'intera giornata della vita del cantautore, un quadretto ritagliato in un momento imprecisato tra la fine del 2012 e l'inizio del 2013, durante le lavorazioni del disco "Push the Sky Away".

Un viaggio negli archivi dove sono conservate le testimonianze e le documentazioni di un'intera carriera, che unisce visioni, scrittura, brandelli di vita vissuta, ritratti, retroscena, musica e genio. Ne emerge la conturbante personalità di Nick Cave, la sua vita solitaria alla ricerca di nuovi significati, nuove parole e nuove poesie da raccontare e il suo straordinario rapporto esclusivo e intenso con la parola e con la narrazione.

Nel cast, Kylie Minogue, con cui Cave incise la hit “Where the wild roses grow”, oltre che i musicisti Ray Winstone e il fido partner Warren Ellis, il polistrumentista dei Bad Seeds (la band che accompagna Nick Cave dagli anni ottanta).

Il tutto é stato realizzato riprendendo in totale libertà la vita privata e pubblica di Cave grazie all'uso di telecamere piazzate ovunque, nelle stanze della casa, nell'auto e nello studio londinese.

Accolto con entusiasmo dalla critica al Berlinale e al Sundance Festival e presentato al Festival di Torino, 20.000 Days on Earth è un viaggio che è concesso perdere solo in presenza di più che valide giustificazioni. Merita davvero.

BOYHOOD: un film, lungo una vita

- Dai va bene così.

- Posso usare le spondine?

- Niente spondine. La vita non regala spondine.

GENERE: Drammatico

ANNO: 2014

REGIA: Richard Linklater

SCENEGGIATURA: Richard Linklater

ATTORI: Patricia Arquette, Ellar Coltrane, Ethan Hawke, Lorelei Linklater, Tamara Jolaine, Evie Thompson

FOTOGRAFIA: Lee Daniel, Shane F. Kelly

MONTAGGIO: Sandra A

PRODUZIONE: IFC Productions, Detour Filmproduction

DISTRIBUZIONE: Universal Pictures

PAESE: USA

DURATA: 163 Min

Vincitore dell’Orso d’argento al festival di Berlino, Boyhood è una saga familiare girata in soli 39 giorni nell'arco di ben 12 anni (tra il 2002 e il 2013).

Tutto ebbe inizio nell'estate del  2002, quando il regista e sceneggiatore Richard Linklater, riprendendo un'idea di Kubrik, decise di radunare la stessa troupe e lo stesso cast ogni anno, per dodici anni,  per girare alcune parti del film, che inizialmente doveva chiamarsi The Twelve Year Project.

Scopo del progetto: seguire la crescita dei personaggi a pari passo con quella degli attori per dare vita ad un'esperienza cinematografica assolutamente innovativa, un modo diverso di immergersi nella vita ordinaria di una famiglia ordinaria, un'esperienza unica nel suo genere che mi risulta comunque difficile catalogare come 'film'.

Interpretato da  un cast è eccellente, tra cui Ellar Coltrane,  Patricia Arquette, Ethan Hawke,  il film segue la vita del giovane Mason (Ellar Coltrane), che insieme con la sorella Samantha, intraprende un viaggio emozionante e trascendente fino all'età adulta.

Figlio di genitori separati, Mason vorrebbe soltanto una vita normale all'interno di una famiglia normale, mentre invece si ritrova ad essere sballottato qui e là a causa dei reiterati fallimenti matrimoniali della madre e  dell'eterna adolescenza del padre.

Assistiamo alle sue vicissitudini a partire dagli otto anni, quando frequenta la scuola elementare, fino ai vent'anni, quando entra al college. Nel mezzo, tante cose ordinarie che il regista texano trasforma magicamente in eventi straordinari degni di essere catturati dalla cinepresa: il rapporto con i genitori divorziati, i traslochi, le nuove scuole, i matrimoni falliti della madre, il rapporto conflittuale con la sorella Samantha, la nuova relazione del padre. E non manca l'attenzione all'evoluzione degli oggetti d’uso quotidiano, ai cambiamenti culturali, sociali e politici.

Si sta parlando insomma di un film che in qualche modo sembra incanalare il flusso della vita reale, qualcosa che si potrebbe definire la cosa più vicina ad una vita vissuta che il cinema di finzione abbia mai realizzato. Assolutamente da vedere.

Noah: Il diluvio universale secondo Aronofsky

PRODUZIONE: U.S.A.
2014
GENERE: Drammatico
DURATA: 138’
INTERPRETI: Russell Crowe, Anthony Hopkins, Douglas Booth, Emma Watson, Jennifer Connelly, Leo McHugh Carroll, Logan Lerman, Nick Nolte, Ray Winstone
SCENEGGIATURA: Ari Handel, Darren Aronofsky
TRATTO liberamente dal libro della Genesi
FOTOGRAFIA: Matthew Libatique
COLONNA SONORA: Clint Mansell

È uscito nelle sale italiane il 10 aprile 2014 Noah, l'ultimo film diretto e prodotto da Darren Aronofsky (per intenderci, il regisa di "The Wrestler”, “Cigno Nero”). Un film carico di luci e ombre, liberamente ispirato alla storia biblica di Noè che cerca di salvare famiglia e animali dal diluvio universale, narrata nell’Antico Testamento.

“Noah” può contare su un cast di tutto rispetto: Russel Crowe nel ruolo del patriarca biblico Noè, Jennifer Connelly nei panni della moglie Naameh, Anthony Hopkins interpreta il nonno del protagonista Matusalemme e Emma Watson la figlia adottiva Ila.

Curiositá: Aronofsky è riuscito a farsi finanziare dalla Paramount Picture il film dopo quattordici anni di tentativi, solo dopo la diffusione di una graphic novel, uscita in francese, a cui aveva lavorato con un fumettista canadese, Niko Henrinchon.

E di soldi ne sono serviti davvero tanti (più di 125 milioni di dollari) se si pensa che per questo film, girato tra l’Islanda, il Messico e gli Stati Uniti, Aronofsky ha voluto costruire una vera arca, che è stata allestita in un set a Long Island, New York.

Aronofsky si è dichiarato soddisfatto dei risultati ottenuti dalla pellicola, anche se il film è stato duramente criticato a causa di inesattezze ed eccessive invenzioni (come i Watchers, i giganteschi angeli decaduti che aiutano Noè nella sua impresa), fino al punto di essere definito un mix tra Il Gladiatore, Harry Potter e Il Signore degli Anelli.

Queste critiche non sono niente se si conta che la proiezione di tale film, è stata addirittura vietata in Bahrain, Emirati Arabi Uniti, Indonesia, Malesia, Medio Oriente, Pakistan, Qatar e nei paesi Nordafricani, in quanto secondo i loro governi “contraddice gli insegnamenti dell’Islam”. La fede islamica infatti vieta di dare un volto umano ai profeti e alle figure sacre e Noè è un profeta a cui il Corano dedica un capitolo intero. Per questo, Al-Azhar, l’autorità sunnita più importante dell’Islam, ha emesso una fatwa contro il film: “Al-Azhar ... rinnova la sua obiezione contro ogni forma artistica che dipinga i profeti di Dio e i compagni del Profeta Maometto”. Essi “disturbano i sentimenti dei credenti, sono vietati nell’Islam e rappresentano una chiara violazione della legge islamica”, si legge poi sulla fatwa.

Anche il tentativo, non riuscito, di Crowe e Aronofsky di ottenere un incontro privato con Papa Francesco per mostrargli l’opera in anteprima, si è rilevato essere un fallimento, senza considerare che lo stesso recensore di Avvenire ha definito Noah 'strano' e 'sconcertante', anche se 'visivamente potente', una 'grande occasione perda, perché senza Dio'.

Al di là delle polemiche e al di là del fatto che il film risulta un po' pesante (2 ore e mezza non sono mai poche), le scenografie e la fotografia (quest'ultima di Matthew Libatique già premio Oscar per “Il cigno nero”) meritano veramente. Senza contare poi i meravigliosi colori dei tramonti e delle albe, i giochi di chiaro-oscuro che creano un'accecante angoscia e la scena del racconto della nascita della terra .

Sicuramente da menzionare è la colonna sonora, curata dal compositore britannico Clint Mansell, che comprende anche un inedito (“Mercy Is”) cantato da Patti Smith e scritto da lei con Lenny Kaye. Si tratta di un brano appositamente creato per questo lungometraggio, in cui la Smith abbandona le vesti di sacerdotessa laica del rock per riscoprire la fede religiosa.

Una pellicola stracolma di effetti speciali insomma, di cui ricorderò di certo i due momenti ben precisi in cui Noah dipinge l'inferno e la perdizione umana in modo così vivido da essere rimasta impressionata.

The Grand Budapest Hotel: la storia di un albergo e di chi lo ha abitato

"Conoscete Il Piccolo Principe di Saint-Exupéry? Wes Anderson è il piccolo principe fatto adulto", F. Murray Abraham

Un'inventiva fuori dal comune e l'abitudine a disegnare e a immaginare tutti i suoi film come dei veri e propri storyboard animati, ha portato Wes Anderson a creare un nuovo cinemondo originale e credibile, ispirato alle commedie degli anni '30 e alle storie e memorie dello scrittore viennese Stefan Zweig.

Orso d'argento al festival di Berlino, Grand Budapest Hotel racconta - attraverso veri e propri racconti nel racconto - le vicende dei personaggi che frequentano Il Grand Budapest Hotel appunto, un lussuoso albergo in decadenza situato sulla vetta di una montagna altissima che si raggiunge con una funivia.

Per la precisione, siamo in una repubblica immaginaria dell’est Europa, Zubrowka, in un periodo a cavallo tra le due guerre, in un hotel che un tempo era stato un crocevia effervescente di destini, mentre adesso, dopo essere decaduto, funge da rifugio turistico sovietico per isolati superstiti delle famiglie aristocratiche più ricche europee.

Qui, il consierge Monsieur Gustave (Ralph Fiennes), uomo colto, raffinato e di grande classe, si affeziona a Zero Moustafa (l'esordiente Tony Revolori), un giovane lobby boy che ha trovato rifugio nel paese dopo essere sfuggito alla guerra.

Attraverso una serie divertente di colpi di scena si viene condotti nel fantastico mondo di Wes, fatto di ironia e nostalgia, in cui M. Gustave, tenta di salvarsi la pelle, attraverso piccole astuzie e una forte resistenza alle ingiustizie, e, nel contempo, conservare inalterate le forme e le regole di vita e la storia dell’albergo, simbolo di un piccolo mondo antico in cui i valori sono rimasti intoccati.

Quando l'anziana contessa Céline Villeneuve Desgoffes und Taxis, detta Madame D (Tilda Swinton) - affezionata cliente dell'albergo nonché una delle tante amanti agées di Gustave- muore in circostanze sospette, lasciandogli in eredità un prezioso dipinto, si crea un notevole scompiglio nella famiglia di lei.

Il figlio pseudo-nazista (Adrien Brody), nel tentativo di recuperare la tela, darà inizio a una serie di inseguimenti divertenti e talvolta impossibili, assecondato dai soldati-poliziotti capitanati da Edward Norton) che accuseranno Gustave di essere stato lui a uccidere la donna.

Sullo sfondo di un'Europa alle prese con una guerra, Gustave si ritroverà a fuggire dalla galera per ritrovare l’unico testimone oculare della morte (Mathieu Amalric) e salvarsi al contempo dai tentativi di omicidi messi in piedi dai famigliari (Willem Dafoe e Adrian Brody).

Il tutto potrà avvenire solo grazie all'aiuto del fido Zero Moustafa, che lo seguirà e lo difenderà nelle sue fughe e nei suoi ritorni al Grand Budapest Hotel.

Scritto dalla stesso Wes Anderson insieme a Hugo Guinness, il film si rivela così essere una commedia dal ritmo sostenuto che mixa piacevolmente tragedia, grottesco e commedia.

Una storia rocambolesca e acrobatica, ambientata in un clima da favola carico di colori vintage, che le musiche d’antan accelerate contribuiscono a creare, e in cui il sottile senso dell'umorismo si fonde a una nostalgia viscerale.

A sostenerlo in questa impresa epica, un cast stellare composto da grandi nomi e vecchi amici del regista: oltre agli immancabili Bill Murray e Owen Wilson, compaiono anche Harvey Keitel, Willem Dafoe, Adrian Brody, Tilda Swinton, Ralph Fiennes, Lèa Seydoux e Saoirse Ronan.

Particolarità: Wes si riconferma essere uno dei registi più cool di sempre, come dimostrano i guardaroba eleganti creati appositamente dalle più grandi firme per i suoi personaggi variopinti (si va da Louis Vuitton a Prada), come la cappa di Madame D (Tilda Switon), in velluto di seta, dipinta a mano e bordata di visone nero, realizzata da Fendi in collaborazione con la costumista premio Oscar Milena Canonero.

Perché sono i dettagli che fanno la differenza!

POLLOCK E GLI IRASCIBILI: TRA AMPLESSO FISICO E LIBERTA’ DI PENSIERO

Dal 24 Settembre 2013 al 16 Febbraio 2014

Palazzo Reale, Milano

Curatori: Carter Foster, Luca Beatrice

Enti promotori: Assessorato alla Cultura del Comune di Milano

Telefono: +39 02 54913/ 02 88453314

E-Mail info: elenamaria.conenna@comune.milano.it

Sito ufficiale: http://www.comune.milano.it/palazzoreale

“Non mi interessa l’espressionismo astratto… e comunque non si tratta di un’arte senza oggetto, né di un’arte che non rappresenta. Io a volte ho molta capacità di rappresentare, anche se di solito ne ho poca. Ma se tu dipingi il tuo inconscio, le figure devono per forza emergere.” 

Jackson Pollock

Impressioni:

Adolph Gottlieb, The Crest

Rivoluzione artistica, rottura col passato, sperimentazione ed energia. E’ questo ciò che emerge in sintesi dall’esposizione “Pollock e gli Irascibili. La Scuola di New York” a Palazzo Reale (Milano), costituita da 49 capolavori di 18 artisti, dalla fine degli anni Trenta alla metà degli anni Sessanta, provenienti dal Whitney Museum of American Art di New York.

Franz Kline, Mahoning

Gli artisti scelti fanno tutti parte appunto del gruppo degli “Irascibili” – definiti in questo modo sulla scia del celeberrimo episodio di protesta, avvenuta nel 1950, di alcuni pittori per la loro esclusione da una mostra dedicata all’arte contemporanea americana al Metropolitan Museum di New York – che diedero vita a quella che poi fu chiamata “la Scuola di New York”: un fenomeno unico, che caratterizzò lʼAmerica del dopoguerra e che influenzò, con la sua forza travolgente, lʼArte Moderna in tutto il mondo.

Jackson Pollock, Number 27

Guest star della mostra è l’olio su tela Number 27 che Pollock dipinse nel 1950, uno dei suoi quadri più famosi, peraltro di dimensioni straordinarie (124 x 269 cm), in cui l’aspetto fondamentale è l’equilibrio fra le pennellate di nero e la fusione dei colori più chiari. Sempre del carismatico Pollock, sono esposti anche 6 disegni e due oli di Pollock (Number 17 e il sovracitato Number 27), ma, accanto a queste, sono presenti anche alcuni tra i capolavori

William Baziotes, The Beach

più rilevanti della collezione del Whitney, come Mahoning di Franz Kline (1956), Door to the River di Willem de Kooning (1960) e Untitled (Blue, Yellow, Green on Red) (1954) di Mark Rothko. Tecniche di pittura diverse, storie personali diverse, ma con alcuni denominatori comuni, quali la scelta di una pittura complessa e immediata e il fatto che tutti e 18 seppero re-interpretare la tela come uno spazio per la libertà di pensiero e di azione dellʼindividuo.

Mark Rothko, Untitled (Blue, Yellow, Green on Red)  

Jackson Pollock all'opera

Oltre alle opere è possibile vedere i video di Pollock al lavoro e coglierlo proprio nel momento esatto in cui trasferisce se stesso nella sua pittura e nello spazio circoscritto dai suoi gesti, completamente immerso in quella sorta di pittura-danza rituale che è il "drip painting", uno stile di pittura che si diffuse tra gli anni ’40 e ’60 del Novecento in cui il colore viene fatto sgocciolare, lanciato o macchiato sulle tele. Un’arte fisica istintiva e quasi mistica, quella dell’Action Painting, in cui, attraverso la pura gestualità, la forza primitiva dell’arte esce dal corpo dell’artista per poi depositarsi nell’opera creata, in un puro amplesso fisico, anche se, in realtà, quando dipinge, Pollock ha quasi sempre in mente un’immagine che viene poi velata dalle serie di pennellate, diventando così oscura e misterica.

Chiudo con una citazione di Pollock: “Tutti noi siamo influenzati da Freud, mi pare. Io sono stato a lungo junghiano… La pittura è uno stato dell’essere… La pittura è una scoperta del sé. Ogni buon artista dipinge ciò che è.”

Gli artisti del gruppo degli “Irrascibili” immortalati per il numero di gennaio 1951 di Life da Nina Leen: Willem de Kooning, Adolph Gottlieb, Ad Reinhardt, Hedda Sterne, Richard Pousette-Dart, William Baziotes, Jackson Pollock, Clyfford Still, Robert Motherwell, Bradley Walker Tomlin, Theodoros Stamos, Jimmy Ernst, Barnett Newman, James Brooks, e Mark Rothko .

The Visitors: tra sintonia armonica e singola performance

Ragnar Kjartansson

The Visitors 
A cura di Andrea Lissoni e Heike Munder

Dal 05.12.2013 al 05.01.2014
In collaborazione con Migros Museum für Gegenwartskunst, Zurigo

“L’opera è una serie di ritratti, il ritratto della casa, il ritratto dell’artista, il ritratto di una serie di musicisti, il ritratto di una comunità, il ritratto di una generazione…”, Ragnar Kjartansson.

Ragnar Kjartansson, The Visitors

Per caso, rifuggendo dai centri commericali in un pomeriggio uggioso prenatalizio, mi sono imbattuta in The Visitors, ovvero una installazione dell’Hangar Bicocca costituita da nove proiezioni video in scala 1:1 su schermi accostati uno all’altro in cui musicisti differenti (fra cui Kristín Anna e Gyða Valtýsdóttir, le due sorelle della band islandese dei Múm, e Kjartan Sveinsson, tastierista fino al 2012 dei Sigur Rós e lo stesso Ragnar Kjartansson) 

Ragnar Kjartansson, The Visitors: camera da letto.

Bella la canzone scelta, ispirata alla poesia composta dell’ex moglie dell'artista, Asdís Sif Gunnarsdóttir e composta da Kjartansson, con alcune aggiunte di David Thor Jonson, così come bellissima anche la dimora ottocentesca di Rokeby Farm, nell’Upstate New York, dove sono ambientate le riprese.

Ragnar Kjartansson, The Visitors: salotto.

Un totale di nove tracce audio e video, girate separatamente e proiettate contemporaneamente in cui la musica costituisce, come lo stesso artista afferma, un “elemento quasi plastico” utilizzato per realizzare il concetto di “Music in Space”, che trae origine dal principio di spazializzazione del suono di Karlheinz Stockausen.

Ragnar Kjartansson, The Visitors: bagno.

In questo modo, la performance di ciascun musicista viene messa nelle mani dello spettatore che può iniziare a giocare e a ricostruire il puzzle, in un’arbitraria operazione di montaggio audio-video, che varia al variare dei suoi movimenti all’interno dello spazio. La cosa impressionante è che sembra veramente di passeggiare tra le stanze di Rokeby Farm, di potersi soffermare sull’uscio delle varie porte e di osservare e ascoltare gli artisti nei singoli ambienti, risucchiati in un’atmosfera di nostalgia e vitalità, tra polvere e arte.

Ragnar Kjartansson, The Visitors; cucina

Ragnar Kjartansson, The Visitors: camera matrimoniale

Ragnar Kjartansson, The Visitors: salotto.

Ragnar Kjartansson, The Visitors.

Ben Stiller e "I sogni segreti di Walter Mitty"

The secret life of Walter Mitty

Titolo originale The Secret Life of Walter Mitty

Regia: Ben Stiller

Scritto da: James Thurber

Musica composta da: Theodore Shapiro

Cinematografia: Stuart Dryburgh

Cast: Sean Penn, Ben Stiller, Kristen Wiig, Shirley MacLaine, Adam Scott, Kathryn Hahn

Regia: Ben Stiller

Titolo: I sogni segreti di Walter Mitty

Prima data di uscita: 25 dicembre 2013 (Stati Uniti d'America)

Durata: 114 min

Perché a volte preferisco vivere un’emozione in maniera diretta piuttosto che dietro l’obiettivo, così mi capita di non scattare e restare a guardare, Sean O’Connell

Quando ero piccola trascorrevo ore e ore a sognare, a visualizzarmi nel mio futuro glorioso. Poi è successo qualcosa, la discrepanza tra la vita reale e le mie fantasie è diventata intollerabile e io inconsciamente ho ucciso i miei sogni.

Me ne sono resa conto la vigilia di Natale, quando, avendo finito il master, avendo già pulito casa, non dovendo cucinare ne’ fare la spesa, sono rimasta intrappolata in casa dalla pioggia. Mi sono stesa sul divano per riposarmi, ma di dormire non se ne parlava proprio. Per occupare quell’oretta che mi separava dal cenone con amici e parentado mi sono sforzata di fare un sogno ad occhi aperti, di visualizzare il mio futuro, così come avevo letto su una rivista di psicologia. Non ce l’ho fatta e la cosa mi ha sconvolto.

Come può una persona rimanere talmente intrappolata nel presente, e forse in parte anche nel passato, da non riuscire neanche ad immaginarsi tra un anno?

Ci ho riprovato il giorno dopo e, con grande fatica, ho cominciato a vedere qualcosa. Dapprima me stessa in una versione più snella e brillante, poi un uomo nel mio appartamento che mi osserva seduto sul divano mentre gioco con una bambina, già grande, sui quattro-cinque anni. Niente di straordinario forse per qualcuno, ma per me che non faccio che pensare a libri, film, marketing e comunicazione digitale e social network è stato tanto. Vuoi vedere che al di là del mio naso c’è un mondo?

Poi arriva il 26 dicembre e il problema si ripropone: come la trascorro quest’intera giornata? Decido di andare al cinema con degli amici e il caso vuole che anche il film votato dalla maggioranza sia una nuova spinta a buttarsi e a riprendere sognare e a pretendere dalla vita quello che desideriamo.

Un uomo qualunque sospeso tra una grigia realtà e una spericolata fantasia è infatti il protagonista al centro di The Secret Life of Walter Mitty, la quinta prova di regia per Ben Stiller dopo Zoolander, Tropic Thunder, Giovani carini e disoccupati e Il Rompiscatole.

Interpretato da un Ben Stiller ormai fuori dagli stretti panni del semplice attore comico, il film è un inno alla vita e un sottile invito a esistere tratto dal breve racconto The Secret Life of Walter Mitty dello scrittore-disegnatore James Thurber, scritto nel 1939 per il New Yorker (il film ne è il secondo adattamento cinematografico dopo quello del 1947 con Danny Kaye, Virginia Mayo e Boris Karloff).

Ma chi è Walter Mitty?

Walter Mitty è uno di noi, in fondo. Semplice, timido e riservato, un po' impacciato, e per questo sempre in difficoltà nei rapporti interpersonali, Mitty è una specie di “topo d’archivio” che si occupa della gestione dell’immenso archivio fotografico della rivista Life (lo stesso giornale dove un giovane Stanley Kubrick faceva i suoi primi scatti da fotoreporter, prima di diventare un regista). Segretamente innamorato della collega Cheryl (interpretata da Kristen Wiig), Mitty spezza la sua apatica esistenza sognando a occhi aperti un mondo elettrizzante in cui è il protagonista di imprese emozionanti, dove tutto va per il meglio e la vita è entusiasmante, finchè, spinto dalla minaccia di un possibile licenziamento dovuto al passaggio della testata dal cartaceo all’online - e al conseguente ridimensionamento dello staff - , prende finalmente l’occasione al volo e decide di gettarsi nella vita.

Il pretesto è il recupero della fotografia speciale che farà da copertina all'ultimo numero da pubblicare, lo scatto migliore che il fotoreporter Sean O’Connel (interpretato da Sean Penn) gli ha inviato appositamente per l’ultima uscita della rivista in quanto a suo dire cattura la quintessenza di Life magazine. Ma il negativo dell'immagine non si trova così facilmente, e Walter dovrà rincorrere per tutto il globo le tracce del misterioso artista, da New York all’Islanda utilizzando gli altri negativi in suo possesso come traccia: si tratterà di un viaggio fantastico che permetterà al protagonista di trovare il proprio posto nel mondo e i toccare con mano la propria esistenza.

Una volta trovato Sean O’Connell, emblema del foto-documentarismo pre-digitale duro a morire, il reale e il virtuale, la vita e la fantasia si incontrano per un istante, come esprime alla perfezione Sean Penn nel momento in cui decide di non immortalare il fatidico gatto fantasma che ha atteso per ore e ore dietro l’obiettivo «Perché a volte preferisco vivere un’emozione in maniera diretta piuttosto che dietro l’obiettivo, così mi capita di non scattare e restare a guardare»

Arctic Monkeys: "Do I Wanna Know"

"Have you got colour in your cheeks?
Do you ever get the feeling that you can’t shift the tide
 That sticks around like something’s in your teeth 
And some aces up your sleeve
I had no idea that you’re in deep
I dreamt about you near me every night this week
 How many secrets can you keep?
Cause there’s this tuneI found that makes me think of you somehow
 When I play it on repeat 
Until I fall asleep
 Spilling drinks on my settee".

Tra le cose che vorrei fermare e impedire di scorrere via nel marasma di immagini, suoni, persone, messaggi, colori che invadono costantemente la mia vita c'è Do I Wanna Know, il video fatto di sole animazioni grafiche che il regista David Wilson ha diretto per gli Arctic Monkeys. 

Si tratta del primo singolo tratto dal loro quinto album "AM" che la rockband di Alex Turner ha pubblicato a Settembre. Lo voglio inserire tra le cose da non dimenticare perché mi piace la nuova direzione intrapresa dalle scimmie artiche. Vediamo dove ci porterà...