Il responsabile delle risorse umane....è tra noi? E soprattutto, è umano?

Titolo: Il responsabile delle risorse umane
Titolo originale: The Human Resources Manager
Regia: Eran Riklis
Attori principali: Mark Ivanir, Guri Alfi, Noah Silver, Rozina Cambos, Julian Negulesco.
Genere: Drammatico
Durata: 103 min.
Uscita: Dicembre 2010.

Vista dall'esterno, da chi non conosce questa professione, il mestiere del responsabile delle risorse umane, così come degli addetti al reparto delle risorse umane, può riassumersi in due paroline magiche: assumere e licenziare. E quindi selezionare i candidati, chiamarli a colloquio e decidere della loro sorte, nel bene e nel male.

Talmente meccanico che alla fine uno si abitua a tutto e si ripara dietro ad una cortina di ferro che trasforma candidati e dipendenti in persone qualunque, senza una vera identità e senza un vero volto da ricordare.

E' quello che succede al protagonista de Il responsabile delle risorse umane di un panificio industriale di Gerusalemme, messo alle stretta da un giornalista d'assalto per non essersi interessato alla morte tragica di una sua dipendente, rimasta uccisa in un attentato terroristico in Israele.

Un mix di senso di colpa e il fatto che nessuno reclama il corpo della donna fanno il resto: la decisione di partire con il feretro della ragazza alla ricerca di un parente che si presti a riconoscerla porterà il manager in un villaggio rumeno, allontanandolo dal suo lavoro che lo assorbe al cento per cento e da una famiglia in cui è già poco presente.

Un road movie israeliano insolito, dalla trama originale, tratto da un romanzo di Abraham B. Yehoshua, in cui seguiamo i personaggi nel loro viaggio fisico e spirituale sulle strade di un'Europa gelida e sterminata, che li farà crescere, scoprire, accettare e incontrare, alla scoperta di un'umanità perduta che verrà ritrovata proprio in quell'est Europa dimenticato e sottostimato. Il cambiamento è dimostrato dalla riscoperta dei nomi dei personaggi, della loro identità, mentre all'inizio del film essi venivano contraddistinti meramente dal ruolo sociale ricoperto: la lavapavimenti, il responsabile delle risorse umane, il giornalista, il console israeliano ecc.

Tutto sommato Il responsabile delle risorse umane è un film surreale, altrettanto duro quanto ironico, in cui Eran Riklis si allontana dalla magnificenza e dal conflitto eterno de Il giardino dei limoni, per assumere quasi i toni di farsa (un tank come carro funebre) pur celando una profonda riflessione sull'illogicità, l'indifferenza e la frenesia del mondo moderno.

"Come un tuono", una sorpresa.

Titolo originale: “The Place Beyond the Pines”
Genere: Drammatico
Regia: Derek Cianfrance
Sceneggiatura: Derek Cianfrance, Ben Coccio, Darius Marder
Musiche: Mike Patton
Durata: 140 minuti
Cast: Ryan Gosling, Eva Mendes, Bradley Cooper, Rose Byrne, Craig Van Hook, Olga Merediz, Anthony Angelo Pizza Jr., Mahershala Ali, Rev. John Facci, Ben Mendelsohn
Fotografia: Sean Bobbitt
Paese: USA 2013

Anche questa volta sono andata al cinema sapendo poco o niente del film che andavo a vedere e anche questa volta mi sono stupita. A mia discolpa bisogna però dire che titoli, locandine, ma anche in parte gli stessi trailer, invece di svelare il film lo nascondono ancora di più, lasciando un velo di dubbio sul potenziale spettatore.

Questa sera ho osato spendere i benedetti 7 Euro per Come un tuono, un film in cui poesia e drammaticità hanno danzato per due ore sotto lo sguardo d'autore del regista Derek Cianfrance, trentanovenne statunitense al suo terzo cortometraggio (tra i precedenti l’interessante Blue Valentine con lo stesso Gosling), uno sguardo silenzioso, complesso, lacerato e dark, dove l'unica via d'uscita sembra essere il crimine.

Come un tuono, in breve, racconta la storia di quattro uomini, e di due generazioni, che lottano per lasciarsi alle spalle un passato sanguinoso, di legami tra padri e figli che si costruiscono e si distruggono, di destini segnati da un passato che torna a bussare alla porta e rivendica attenzioni, nel bene e nel male.

Scendendo più nei dettagli, nella prima parte del film il protagonista principale è Luke (Ryan Gosling) uno stuntman, schivo e taciturno, un "duro" nomade e vagabondo che si esibisce in un circo, nello spettacolo del "Gioco della morte", compiendo una serie di incredibili evoluzioni a tutta velocità con la sua moto, rinchiuso all'interno di una gabbia sferica di acciaio.

Dopo aver rincontrato una sua ex-amante, Romina (Eva Mendes) e aver scoperto della nascita di suo figlio, lascia lo spettacolo ambulante del “Globo della morte” in cui ogni sera si esibisce. Siamo  per le strade secondarie di Schenectady, nello Stato di New York, e Luke decide di darsi alle rapine, sfuttando le sue straordinarie capacità di pilota, per mantenere Romina e il figlio, che però nel frattempo si è già trovata un altro uomo.

La posta in gioco si alza quando Luke si trova ad affrontare l'agente di polizia Avery Cross (Bradley Cooper), che farà di tutto per incastrarlo, riportando a galla vecchie storie irrisolte.

Tutto questo da il via alla seconda parte del film, un vero e proprio film nel film, in cui i peccati commessi nel passato si rifletteranno sulla vita di due liceali.

L’unico rifugio allora sembrerà essere quello che in lingua mohawk viene definito “the place beyond the pines”, il posto al di là del bosco di pini, da cui deriva il titolo originale in inglese.

E il cerchio si chiude...anzi è proprio la figura del cerchio che caratterizza questo film sia formalmente (la sfera dello stuntman, la ruota panoramica) sia narrativamente (il ritorno di Luke dopo un anno, i figli che reiterano i comportamenti dei padri), dando l'idea di un destino già da tempo segnato.

Con questo film fortemente voluto e passato per ben 37 riscritture nell’arco di cinque anni prima di trovare un produttore, Derek Cianfrance riconferma così la sua bravura registica e il suo stile caratterizzato da scene volutamente lente, dove l’attenzione si concentra sui corpi degli attori, sui loro volti e sui loro sguardi, cercando di catturare il sentimento nell'immagine. Nonostante questo, per quanto non manchino attori all'altezza del proprio ruolo (da Bradley Cooper a Eva Mendes, fino a Ryan Glosling,  Ray Liotta e Rose Byrne), rimangono diversi punti irrisolti che non riescono ad espletarsi al termine del film, che lascia un bel ricordo, non però incancellabile.

Educazione Siberiana, l'Eastern di Salvatores

Titolo originale: Educazione siberiana

Regia: Gabriele Salvatores

Soggetto: Nicolai Lilin

Sceneggiatura: Gabriele Salvatores, Stefano Rulli, Sandro Petraglia

Lingua originale: Inglese
Paese di produzione: Italia
Anno: 2013
Durata: 110 min
Genere: Drammatico

“È folle volere troppo. Un uomo non può possedere più di quello che il suo cuore può amare!”. Nonno Kuzja

“L’educazione siberiana è uno strano tipo di educazione. E’ un’educazione criminale, ma con precise e, a volte sorprendentemente condivisibili, regole d’onore”. Gabriele Salvadores

“Dobbiamo avere rispetto per tutte le creature viventi, eccetto la polizia, i banchieri, gli usurai. Rubare a queste persone è permesso”. Nonno Kuzja

"La fame viene e scompare, ma la dignità, una volta persa, non torna mai più". Nonno Kuzja

Educazione Siberiana, l’ultimo film del regista premio Oscar Gabriele Salvatores ancora in programma in molti cinema italiani, può essere definito un tentativo riuscito del cinema italiano di oltrepassare i confini nazionali. Tratto dall’omonimo romanzo di Nicolai Lilin e ambientato in una regione meridionale della Russia (Transnistria, Moldavia Orientale) tra il 1985 e il 1995, il film descrive infatti un mondo molto lontano da quello a cui siamo abituati e da quello che ci si potrebbe aspettare di vedere in una pellicola diretta da un regista italiano.

I due protagonisti principali sono due ragazzini, Kolima e Gagarin, due amici di sangue e di affetto a cui viene impartita da Nonno Kuzja (l’incredibile John Malkovich) la cosiddetta “educazione siberiana” del clan degli Urka, un’intera comunità di criminali siberiani trapiantata a Fiume Basso, in cui vigono regole tanto semplici quanto ferree e spartane che non è possibile violare senza andare incontro a severe punizioni, incluso l’allontanamento dalla comunità se non proprio la morte.

I due vengono così armati di picca e iniziati alle rapine dal saggio Malkovich, che insegna però loro anche il ferreo codice etico e comportamentale che gli Urka devono rispettare: rubare è lecito ma solo a polizia, banchieri e usurai; è vietato possedere più denaro di quello necessario; non si possono conservare soldi in casa poiché sono considerati una cosa sporca; è vietato avere a che fare con la droga; è necessario rispettare gli anziani e proteggere i deboli.

Crescendo però, i “sani” principi dei due ragazzi si devono scontrare con un mondo caratterizzato da un sistema di valori in declino, quale era la Russia all’epoca del crollo del muto di Berlino e del disfacimento dell’allora immensa URSS, in grado di travolgere non solo loro stessi, ma anche l’intera comunità a cui appartengono. Anche all’interno del clan dei “criminali onesti” inizia a prendere piede la corruzione e l’aria “viziata” dell’ovest, un pericolo che porterebbe a un cambiamento irrimediabile.

Emerge così il tema universale della doppia anima che convive in ciascuno di noi e dei possibili noi che si realizzano: Gagarin, una volta ritrovata la libertà dopo essere stato in carcere sette anni per rapina, ricerca un futuro diverso da quello dei “criminali onesti” e diventa un pericolosissimo criminale-terrorista islamico, mentre Kolima sceglie di continuare a seguire le leggi dei padri, intraprendendo l’importante mestiere del tatuatore, anche se per scovare l’uomo che ha violentato Xenja, la figlia del medico locale affetta da demenza (del quale lui però sembra essere innamorato) si arruola nell’esercito russo e sarà costretto ad infrangere parte dei suoi codici d’onore.

E non dico altro della trama per non rischiare di far perdere il gusto della visione.

Vorrei invece evidenziare la particolare attenzione riservata ai tatuaggi, che  nella tradizione russa non vengono fatti per ragioni estetiche o per scolpire un ricordo così come in Occidente, ma per raccontare la propria vita: è il tatuatore che, dopo avere ascoltato la tua storia, decide cosa tatuarti addosso. Ed è per questo motivo che se due siberiani desiderano conoscersi a fondo, la prima cosa che fanno è una sauna insieme in cui possono leggersi reciprocamente i corpi, e quindi le storie che questi conservano. Non è un caso che lo stesso Lilin viva in Italia dal 2003, dedicandosi a tempo pieno alla nobile arte del tatuaggio.

In questo modo Salvatores è riuscito così a costruire un altro film degno di nota per tecnica e immagini, che segna nella sua carriera un vero e proprio cambio di rotta rispetto ai suoi ultimi lavori e che è in grado di raggiungere un pubblico trasversale, anche se è stato accusato dalla critica di mancanza di sceneggiatura e di un finale troppo rapido e poco comprensibile.

Vincente anche la scelta del cast, costituito in modo estremamente eterogeneo e per lo più da bravi esordienti, quali Arnas Fedaravicius e Vilius Tumalavicius, alla loro prima esperienza cinematografica, eccezion fatta per John Malkovich - attore, regista e produttore con una lunga carriera alle spalle - e per la giovane promessa Eleanor Tomlinson, nel ruolo di Xenja, la ragazza con disturbi mentali.

Due parole anche sul giovane Lilin, scrittore russo naturalizzato italiano, classe 1980, alla sua prima opera prima, di cui si narra che dopo aver visto Mediterraneo abbia chiesto a Salvatores di dirigere la trasposizione cinematografica del suo romanzo (scritto interamente in lingua italiana, sebbene tradotto in 14 lingue).

Ken Loach: dalla parte degli operai alla parte degli angeli

Titolo: La parte degli angeli

Titolo originale: The Angel's share

Genere: Commedia, Drammatico

Regia: Ken Loach
Sceneggiatura: Paul Laverty
Attori: John Henshaw, William Ruane, Roger Allam, Daniel Portman, Paul Brannigan 

La parte degli angeli, l'ultimo film di Ken Loach, è una semplice storia di outsider dei giorni nostri da cui emerge la visione di un regista che crede ostinatamente nelle persone.

Noto al pubblico come cantore della classe operaia, a spingere Ken Loach a realizzare questo film è stata infatti la constatazione che, verso la fine dello scorso anno,  in Gran Bretagna il numero di giovani disoccupati ha superato per la prima volta la quota di un milione. D'altronde non è la prima volta in cui Ken Loach affronta temi quali la disoccupazione e il riscatto sociale, anche se lo fa con un particolare sense of humor (lo stesso utilizzato ne Il mio amico Eric) che rende il fil più leggero e a tratti comico.

Protagonista è Robbie (Paul Brannigan), un ragazzo cresciuto nella periferia di Glasgow, le cui cicatrici riflettono un passato molesto. Robbie ha infatti appena scontato una pena in un carcere minorile per rissa dovuta a futili motivi e si ritrova a lottare per essere reinserito nella società, per avere un lavoro e per essere padre: sta per avere un figlio da Leonie (Slobhan Relly), una ragazza a cui tiene moltissimo, viene considerato dai genitori di lei soltanto un teppista in erba incapace di garantire alla figlia e al futuro nipote una vita dignitosa. 

Mentre sconta una condanna a svolgere lavori socialmente utili, Robbie conosce Rhino, Albert e Mo, oltre che Harry, l'assistente sociale che coordina il programma di reinserimento per ex carcerati e che intuisce le innati e stupefacenti qualità di cui è dotato Robbie: un fiuto per i migliori whisky di malto del mondo che aprirà la strada del riscatto sociale a lui e alla sua allegra combricola di ex carcerati.

E così si spiega anche il titolo del film: la parte degli angeli è quella piccola percentuale di whisky (2% circa) che, durante l’invecchiamento in botte, svanisce, evapora attraverso il legno e si dissolve nell’aria per essere offerta appunto agli angeli. 

Premiato della Giuria presieduta da Nanni Moretti al Festival di Cannes di quest’anno, La parte degli angeli non fa certo parte del vero e proprio cinema di lotta per cui il regista si è fatto conoscere, ma si tratta piuttosto di una rappresentazione un po' favolistica di cosa può succedere in quelle corcostanze fortuite in cui la vita ci offre un'occasione, che ognuno poi coglie a modo suo, secondo le proprie aspirazioni e secondo le proprie abitudini. Ma, forse, anche questo è soltanto un nuovo modo di esorcizzare e combattere le ingiustizie.

Kajal: le esperienze di guerra e di vita di Maria Cuffaro

Titolo: Kajal
Autrice: Maria Cuffaro
Casa editrice: Edizioni ImprimAtur 

Costo: €16,00

"Vi racconterò della guerra, non come donna o come madre, ma come giornalista, vi racconterò come si nascondono le notizie, di cosa vuol dire trovarsi sotto il fuoco, avere paura". 

"La realtà la puoi solo capire se ti sporchi le mani: non basta osservare, a volte bisogna anche vivere."

Si chiama "Kajal", come la matita nera che Maria Cuffaro mette sempre sulle e dentro le palpebre, quasi a simboleggiare l'unione tra Occidente e Oriente che ha caratterizzato la sua vita, visto che questo libro-racconto raccoglie una serie di istantanee in cui l'inviata conduttrice del TG3 ritrae le sue esperienze da inviata, oltre che di donna e mamma, svelandoci i retroscena del suo lavoro e della sua vita.

Nata da padre siciliano e madre svizzero-indiana, Maria Cuffaro ha una lunga carriera giornalistica alle spalle che l'ha portata a viaggiare tra Gaza e Cambogia, tra Kashmir, Iraq e Stati Uniti: giornalista del TG3 (dal 1989), autrice di inchieste e reportage come, tra i tanti, quelli in Asia, Africa, Sud America e quello sulla strage di Nassirja, ha scritto anche per il Manifesto, l'Espresso, Avvenimenti e ha lavorato con Michele Santoro in trasmissioni come Il rosso e il nero, Tempo reale, il Raggio Verde, Sciuscià.

In kajal Maria Cuffaro parla finalmente di sé, lasciando trapelare tutta la rabbia, le mascelle serrate, ma anche il coraggio, la forza di volontà e la sensibilità di colei a cui Marcello Dell'Utri  si era rivolto con l'appellativo“la faccia dark, un po’ gotica” di certi giornalisti di Raitre. 

Ma oltre agli scorci della bambina che era in Sicilia, della storia della sua famiglia e della sua esperienza di inviata di guerra nei posti più difficili del Mondo, nel libro troviamo anche le esperienza vivide delle vittime, dei carnefici e dei sopravvissuti che la storia ha dimenticato, viste attraverso i suoi occhi truccati appunto col kajal.

Scendendo nei dettagli, al centro del libro c’è l’Iraq del 2004 e l'assedio di Nassiriya, con i militari italiani lasciati a subire gli attacchi dei guerriglieri senza avere a disposizione adeguati mezzi per difendersi in quella che il Governo insisteva a definire una "missione di pace". Ma Kajal è popolato soprattutto di persone che la storia ha dimenticato, eroi ai margini come il reporter argentino Mario Podestà morto in Iraq nel 2003, persone invisibili come gli zingari o le prostitute italiane e le loro vite, conosciuti quando, travestita da zingara o da prostituta, girava per Roma e Milano cercando lavoro ed elemosina, nel tentativo di entrare nelle loro vite, conoscerle, viverle e raccontarle. 

E sempre nel libro, però, accanto alla guerra, alla sofferenza, all'adrenalina provocata dallo scoppio delle bombe a un palmo di naso, accanto al desiderio di essere pronta testimone insieme alla sua troupe di ciò che accade, c’è Lorenzo, il figlio di Maria Cuffaro, e la sua legittima paura che la sua mamma muoia. Una presenza che comporta delle scelte che a volte implicano ancora più coraggio di quello finora dimostrato.

Quello che mi colpisce particolarmente di questo libro è la capacità dell'autrice di coinvolgere il lettore negli eventi, nei luoghi, nelle sensazioni, nelle confidenze ed nelle emozioni descritte sia nel suo essere che nel suo significato, di rendere visibile la guerra e di rendere vicine e a portata di mano cose lontane. Non per altro, tra i premi vinti da Maria Cuffaro figurano anche il premio Ilaria Alpi (2005) e il premio Maria Grazia Cutuli (2007).

Parenti Serpenti, il crudele capolavoro natalizio di Monicelli

Titolo Originale: PARENTI SERPENTIRegia: Mario Monicelli
Interpreti: Marina Confalone, Paolo Panelli, Alessandro Haber, Cinzia Leone, Eugenio Masciari
Durata: h 1.45
Nazionalità:  Italia 1992
Genere: Commedia grottesca

Natale è uno di quei momenti in cui tutti i nodi vengono al pettine, come diceva la mia maestra. La patina di cordiale partecipazione, i luccichii delle illuminazioni il profumo dei manicaretti non riescono a nascondere completamente ne' la fatica dei tentativi momentanei e doverosi di convivenza forzata, ne' le tracce di rancore malcelato tra fratelli, tra genitori e figli, tra amici che si rincontrano dopo tanto tempo.

L'incontro annuale di fratelli, cognati e nipoti a casa dei nonni nella innevata Sulmona in occasione del Natale è anche il perno centrale attorno a cui ruota il film Parenti Serpenti di Mario Monicelli, un film della commedia nera all'italiana ad altissima carica corrosiva, l'ideale per  restituire un po' di lucidità alle nostre menti annebbiate dai banchetti natalizi, da brindisi di prassi e dalla routine, in fondo, che caratterizza tutte le famiglie in questo periodo dell'anno.

A scombinare la ricomposizione faticosa di mondi ormai separati è la notizia che uno dei figli deve ospitare i poveri genitori Saverio (Paolo Panelli) e Trieste (Pia Velsi) fino alla loro morte naturale, che non sono più in grado di badare a se stessi e non vogliono stare più soli. 

La lauta ricompensa offerta dai due genitori non è però sufficiente a evitare la deflagrazione totale e l'innesco di guerre fratricide, da tempo latenti, alimentate da invidie, tradimenti e verità omesse. 

Finché non si giunge a un soluzione paradossale del problema, questa volta condivisa da tutti i figli: provocarne la morte con una stufa a gas precedentemente manomessa.

Il risultato è un quadretto coloratissimo in cui, nonostante la cornice natalizia, viene sapientemente e spietatamente ritratta la famiglia italiana media in cui egoismo, tradimento, invidia e vanità prevalgono sui buoni sentimenti, anche a Natale. Un frammento di un'Italia ancora molto attuale.

Leggendo Fitzgerald: Tenera è la notte

Titolo: Tenera è la notte

Autore: Francis Scott Fitzgerald

Curatore: Fernanda Pivano 

Editore: Einaudi

Collana: Einaudi tascabili. Scrittori

Data di Pubblicazione: Settembre 2005

Pagine: XVIII-384

"A volte è più difficile privarsi di un dolore che di un piacere."

“Il guaio è che quando si è sobri non si ha voglia di veder nessuno, e quando si è sbronzi nessuno ha voglia di vedere noi.”

Tenera è la notte è il grande romanzo che lo scrittore americano Francis Scott Fitzgerald diede alle stampe nel '34 a New York, dopo nove anni di tentativi, retromarce, pentimenti, entusiasmi, tragedie personali trasformate in narrazione.Anche se inizialmente non venne accolto con molto entusiasmo dalla critica e dal pubblico, Tenera è la notte è stato da molti critici considerato il più importante, intimo e personale romanzo di Fitzgerald, se non il più sofferto e il più rappresentativo. 

La storia, che si svolge negli anni Venti, e precisamente tra il 1924 e il 1929, ruota intorno all’amore infelice del protagonista, Dick Diver, un giovane e talentuoso psichiatra, per una una sua ex paziente ricchissima, Nicole Warren, che un incestuoso rapporto col padre ha reso appunto fragile e schizofrenica. Le cose arrivano fino al punti che il lavoro di Dick, ma anche la stessa sua vita, diventano del tutto condizionati dalla malattia della moglie e dalla sua ricchezza, che sembrano legarlo a lei indissolubilmente, tanto da rifiutare inizialmente anche l'amore per Rosemary Hoyot, una bella attrice americana. Circondato dal lusso e da ricchi amici americani, Dick inizia ad esagerare con i bicchieri di Gin, finché è costretto ad abbandonare la gestione della clinica che negli anni aveva costruito, mentre, al contrario, Nicole sembra riemergere dall'abisso della sua malattia, grazie anche al ritorno di Tommy Barban, un mercenario francese da sempre innamorato di lei. Il finale è indiscutibilmente amaro.

Ma Tenera è la notte è anche un intreccio di avvenimenti reali ed esperienze personali dell'autore: partendo dai luoghi in cui il romanzo è ambientato, che riflettono i lunghi viaggi avanti e indietro tra Europa e America, tra Parigi e Svizzera, tra Costa Azzurra e Roma, fino ad arrivare agli stessi personaggi, mai consapevoli della propria miseria e della piccola e misera condotta delle loro esistenze.
Se il personaggio di Rosemary Hoyot è ispirato all'attrice cinematorafica Lois Moran che lo scrittore conobbe a Hollywood nel 1927, Nicole Warren, la moglie di Dick, è in realtà l’alterego di Zelda, la compagna infelice dell’autore che in quegli anni venne ricoverata più volte in seguito a reiterate crisi schizofreniche. Dick Diver è invece il ritratto di Francis Scott Fitzgerald, con i suoi fallimenti e il ritiro totale, che lo porterà a far perdere le tracce di se stesso e a scomparire nel nulla.

Anche nelle esperienze raccontate affiora un lato chiaramente autobiografico: la crisi economica del 1929 e la conseguente crisi familiare che Scott dovette affrontare immerso in un cristallino fiume di gin, l’abuso sempre più frequente dell’alcool, l'esaurimento psicologico. Tenera è la notte ci dà infatti un quadro acuto e spregiudicato, a volte al limite del grottesco, di quella società elegante americana che invase l'Europa nel decennio successivo alla prima guerra mondiale, conosciuto come "l'epoca del jazz", nonché del contrasto etico-sociale degli anni '30 dovuto a un mondo corrotto dal denaro e avido di se stesso, fatto di piccoli burattini che si prostituiscono moralmente, facendosi sedurre e inghiottire dal potere economico.

In definitiva, alcuni capitoli e l'andamento discorsivo e serrato, quasi senza dialogo, possono annoiare, o addirittura infastidire il lettore ma l’analisi introspettiva di ogni personaggio eleva il romanzo a capolavoro, mettendo in luce i mostri della mente e ci regala ritratti, che a distanza di anni non smettono di appartenerci.

On Space Time Foam

Tomás Saraceno

ON SPACE TIME FOAM

Hangar Bicocca

Fino al 3 Febbraio 2013


ingresso gratuito con prenotazione

per info: www.hangarbicocca.org

On Space Time Foam, dell'artista argentino Tomás Saraceno, è un'istallazione artistica fluttuante, concepita per il cubo di Hangar Bicocca di Milano(l’ex stabilimento industriale dell’Ansaldo-Breda dove è attualmente ospitata fino al 3 febbraio), al fine di modificare la percezione degli spazi architettonici. Si tratta di una struttura costituita da tre livelli di pellicole trasparenti sovrapposte e sospese nell'aria tra i 14 e i 20 metri d'altezza, in cui il pubblico può "immergersi" per 15 minuti, quasi come proiettato nelle profondità marine o su un paesaggio lunare o in un organismo che respira insieme a lui, che lo modifica e nel contempo viene modificato esso stesso, in un processo interattivo continuo tra l'opera e il pubblico e tra l'opera e lo spazio architettonico che la ospita. 

Le tre membrane di plastica, alte 6 millimetri ciascuna, sono agganciate alle pareti e distese per 400 metri quadri, in modo da dividere lo spazio in quattro camere d'aria sigillate tra le quali ciascuno può scegliere in quale infilarsi.

L'obiettivo finale di Saraceno è infatti quello di creare strutture aeree abitabili dall’uomo, energeticamente autosufficienti e a basso impatto, ispirandosi a diversi principi di base: il superamento delle barriere geografiche, fisiche, comportamentali, sociali; la ricerca di modalità di vita sostenibili per l’uomo e per il pianeta; l’incontro e lo scambio tra discipline e saperi differenti; il modello di rete e condivisione applicato a tutte le fasi dell’ideazione e della realizzazione di opere e progetti. 


Nella mente dell'artista c'è anche un vero e proprio modello abitativo che Saraceno starebbe progettando insieme a scienziati ed ingegneri, da realizzare ”sopra” le isole Maldive, pensando ad una modalità di vita a basso impatto ambientale, ma con un elevato potenziale di coesione ed interazione sociale.