Purity e il realismo isterico di Franzen

L’anima –disse a Pip –è una sensazione chimica. Quello che vedi sdraiato sul divano è un enzima nobilitato. Ogni enzima ha il suo lavoro da fare. Passa la vita a cercare la specifica molecola con cui è destinato a interagire. E un enzima può essere felice? Ha un’anima? Io rispondo sí a entrambe le domande! L’enzima che vedi qui sdraiato è stato creato per trovare la brutta scrittura, interagire con essa e migliorarla. Ecco cosa sono diventato, qui a galla nella mia cellula: un enzima correttore di brutta scrittura –. Poi aggiunse, con un cenno in direzione di Leila: –E lei ha paura che non sia felice.

Definito il nuovo capolavoro del Realismo Isterico, Purity, di Jonathan Franzen, è un romanzo “sinfonico” in cui all'improvviso ti ritrovi completamente immerso, circondato da tutti questi personaggi solo apparentemente slegati tra loro, ma che in realtà hanno tutti almeno una cosa in comune: a nessuno di loro piace come va il mondo. Lottano costantemente per cambiarlo e purificarlo, anche se poi sono i primi a sbagliare in continuazione, e a raccontare la propria verità, chi da giornalista, chi da scrittore e chi da artista.
Le loro vite vengono passate al setaccio e poi intrecciate tra loro. I pregi e i difetti, le abilità e le mancanze, i successi e i fallimenti: così, alla fine, arrivi a conoscere Pip e la sua cricca più di quanto tu conosca te stesso.

E partiamo proprio da Purity, ovvero Pip, per gli amici, la protagonista dal nome ingombrante che dà il titolo al libro.
23 anni, bella e intelligente, 130mila dollari di debito universitario e un solo, vero problema: Penelope, la madre single che l'ha cresciuta in una baracca nella Bay Area californiana, riservandole un amore esclusivo -nonchè occlusivo- e pieno di buchi.

"Nessuna telefonata era completa prima che ciascuna delle due avesse reso infelice l'altra. Il problema, agli occhi di Pip - l'essenza dello svantaggio che si portava dietro; la presumibile causa della sua incapacità di riuscire in qualunque cosa -, era che lei amava sua madre".

Per quanto riguarda il padre, invece, Pip non sa niente di lui e lui non sa neanche della sua esistenza.

A questo punto, nel tentativo di costruire una famiglia che nella realtà non è mai esistita, entrano in scena nuovi universi narrativi, apparentemente slegati tra loro. In primis Tom e Leila, la coppia di giornalisti d’assalto che farà da figura genitoriale a Pip, anche se più per trovare una compensazione a un loro trauma latente che per altro. O Annagret e Andreas Wolf, che le offriranno un lavoro per coinvolgerla nel loro sistema narcisistico. Una coppia sicuramente interessante: Wolf è un ibrido fittizio tra Assange e Snowden, un fuorilegge del web cresciuto nella Germania dell’Est e colpito da vari mandati di cattura internazionale, che guida in Bolivia il Sunlight project, una specie di Wikileaks che raggruppa giovani idealisti desiderosi di svelare tutto il marcio del pianeta e basato sul potere della parola che rivela i segreti. Pip proverà a seguirlo ovunque, accecata da un’irresistibile attrazione.
Ma anche in Purity, l’idolo della trasparenza non è sempre visto positivamente: quando tutto affiora alla luce del sole, quello che rimane della verità è un misero feticcio di se stessa, e così anche Wolf, ricorda per certi versi la doppiezza di Julian Assange in quanto ambiguo profeta della trasparenza altrui e dell’oscurità propria.

Un libro sulla purezza come utopia, resa inafferrabile dalla reale impossibilità di conciliare il desiderio di verità con il bisogno di preservare la propria privacy, una raccolta di nevrosi, depressioni, disadattamenti, per lo più generate da famiglie disfunzionali.

E un grande romanzo capace di trattare di temi politico-sociali e al tempo stesso di amore, di relazioni umane, di rovelli interiori, unendo con maestria quello che è nascosto nel profondo con ciò che invece galleggia in superficie.

Franzen, al suo quinto romanzo, partendo da una molla molto classica, quella della ricerca della verità, ci mostra un’America “alternativa”, un'America della protesta sociale popolata da squatter e da hackers, molto lontana da quella che immaginiamo quando pensiamo solitamente agli USA.

Ma Purity è anche un manuale di scrittura e Franzen è considerato il maggior scrittore americano vivente: un romanzo-fiume costituito da una trama polifonica divisa in sei parti e caratterizzata da un pluralismo di voci e di punti di vista, nonché da continui salti temporali.
Solo la prima e l’ultima parte sono raccontate dal punto di vista di Pip, mentre nelle altre sono Andreas, Leila, Tom e di nuovo Andreas a reggere le fila della trama, o direttamente in prima persona, come fa Tom, o con un punto di vista a focalizzazione interna, a dimostrare la padronanza della focalizzazione e il talento impressionante di Franzen nei dialoghi.

Un talento impressionante, una qualità di scrittura totalmente indiscutibile, di cui ho amato in primis la capacità di utilizzare certe semplici immagini in grado di rendere il suo mondo tridimensionale, come “Avevo in bocca il sapore metallico della spossatezza”, o ancora "La luce del sole è il miglior disinfettante".

Chiudo con un'ultima citazione che in qualche modo, leggendola e rileggendola centinaia di volte, ho fatto mia:

"Il nostro progetto comune era essere poveri, sconosciuti e puri fino al giorno in cui avremmo preso il mondo di sorpresa".

ERASERHEAD – LA MENTE CHE CANCELLA (LYNCH, 1977)

 "Eraserhead si stava sviluppando in una certa direzione, e non avevo idea di cosa volesse dire. Cercavo la chiave d'accesso al significato di quelle sequenze. Qualcosa capivo ovviamente ma non sapevo quale fosse il cemento che teneva insieme tutto il film. Una bella fatica. Così tirai fuori la Bibbia e iniziai a leggerla. Un giorno lessi una frase. Chiusi la Bibbia: era fatta. Fine del discorso. Allora vidi il film come un tutt'uno. La frase completò questa visione al posto mio, al cento per cento. Penso che non rivelerò mai quale fosse quella frase." 

David Lynch, da In acque profonde. Meditazione e creatività

Titolo Originale: ERASERHEAD
Scritto da: DAVID LYNCH
Musiche: DAVID LYNCH, PETER IVERS, FATS WALLER
Montaggio: DAVID LYNCH
Fotografia: FREDERICK ELMES, HERBERT CARDWELL, DAVID LYNCH
Produzione: DAVID LYNCH
Durata: 90’
Anno: 1977

In trepida attesa del ritorno di Twin Peacks, ho rivisto e approfondito Eraserhead, il primo film di David Lynch, probabilmente la sua rappresentazione più avanguardistica a cui inizia a lavorare nel 1971, presso l'American Film Institute.

Un cult movie fuori dal tempo, con una gestazione difficile, visto che il budget a disposizione si esaurisce ben presto, rallentando la lavorazione e costringendo il regista a racimolare un po' di grana facendo la questua ad amici e parenti e consegnando giornali.

Girato in un sublime bianco e nero da tre operatori (Frederick Helmes, Herbert Cardwell e dallo stesso Lynch), quando uscì, dopo 4 anni di riprese ininterrotte e dopo una lunga battaglia per la sua poca commerciabilità e per il maniacale perfezionismo di Lynch, venne inizialmente distribuito neil circuito cinematografico dei midnight movie (spettacoli di mezzanotte) e sconsigliato alle madri incinte.

Diventò il film preferito di Stanley Kubrick, che affermò di averlo proiettato continuamente durante la lavorazione di Shining per trasmettere inquietudine agli attori.

E come potevamo io e Kubrick non amare alla follia il cinema di uno psichiatra mancato, che penetra le profondità dell'inconscio, alla ricerca della mente umana con continui richiami alla sua storia, ma anche rimandi pittorici, ad esempio Francis Bacon e Oskar Kokoschka, e all’avanguardia espressionista tedesca.

Un cinema onirico, senza un nesso logico, segnato da un'inquietudine allucinata, in cui la forza delle immagini sublima quella delle parole.

Al centro di tutto c'è la mente, la mente con i suoi ingannevoli labirinti, la mente di un padre figlicida che, tormentato dal senso di colpa, rimuove l'atto compiuto (da qui EraserHead - la mente che cancella) e, mentre assiste all'implosione dell'universo, si rifugia in un mondo immaginario alla ricerca di sollievo.

Henry Spencer ha messo incinta la propria ragazza, Mary X. Decide di portarla a vivere con lui, insieme al figlio, che in realtà è una creatura mostruosa, una specie di feto, sulla cui realizzazione Lynch non ha mai voluto rivelare nulla.

In un susseguirsi di visioni fatte di terra e sogni, il mondo si sgretola: il figlio piange ininterrottamente, Mary X scappa via e torna a casa dei suoi genitori, lasciando il bambino alle cure di Henry, che però finirà per ucciderlo, mettendo fine al proprio calvario e abbandonandosi all'oblio.

Un'improbabile sceneggiatura disegna uno sfondo in bianco e nero, innaturale, fatto di fumo e ruggine, ciminiere e palazzi, strane figure e volti cerulei. Un mondo disturbante dove i dialoghi, già ridotti all'osso, si fondono con un sound intriso di rumori meccanici, ronzii, sospiri e lamenti sopiti.

Accanto a loro, in tutto il film, c'è la colonna sonora, composta dal regista con l’aiuto di Peter Ivers, una musica che arriva da lontano, da altre stanze di cui intuiamo l'esistenza.

E intanto, su un palco decadente la Lady Radiator canta una canzone: "in heaven everything is fine".

Penny Dreadful e l’inquietante Londra di John Logan

Titolo: Penny Dreadful
Paese: Stati Uniti d'America, Regno Unito
Anno: 2014 - 2016
Formato: serie TV
Genere: horror, fantastico, drammatico
Stagioni: 3
Episodi: 27

CREDITS
Ideatore: John Logan
Attori principali: Reeve Carney, Timothy Dalton: Sir Malcolm Murray, Eva Green, Rory Kinnear, Billie Piper: Brona Croft/Lily Frankenstein, Josh Hartnett.
Casa di produzione: Neal Street Productions, Desert Wolf Productions, Showtime, Sky Atlantic

Ci sono incappata per caso, in cerca di qualcosa di coinvolgente da guardare su Netflix e già la prima puntata mi ha convinto che avevo trovato qualcosa di molto interessante.
Il tratto da fumetto d’autore, in primo luogo, senza contare la collezione di leit motiv del tardo romanticismo sfoggiata: folgori, magnetismo, cerimonie esoteriche, cimiteri, radure spettrali, sangue vermiglio e chi più ne ha più ne metta.
Sono andata ancora un po' avanti e non sono più riuscita a smettere di guardarla.

Sto parlando di Penny Dreadful, la serie tv dark e disturbante prodotta da Sam Mendes e creata e interamente scritta da John Logan attraverso un’operazione di concentrazione, variazione e contaminazione dell'inesauribile giacimento di immaginario tratto dalle storie classiche dell’orrore.

Ed è proprio dai grandi autori dell'incubo della letteratura inglese di fine ottocento - come William Shakespeare, Oscar Wilde, William Wordsworth, Lord Byron, Percy Bysshe Shelley e John Keats - che sono stati tratti e reinterpretati i celebri ‘mostri’ protagonisti di Penny Dreadful: dall'iconico Dottor Victor Frankenstein al diabolico e immortale Dorian Gray, da Dracula a Dr. Jekyll, catapultati tra licantropi, streghe e vampiri.

Il risultato? Un horror psicologico-fantasy ambientato nella Londra Vittoriana e ispirato alla graphic novel La Lega degli Straordinari Gentlemen di Alan Moore che ha rinnovato il genere televisivo fondendolo con i racconti popolari del romanzo gotico e con il cinema inglese.

Senza contare che lo stesso nome "Penny Dreadful" richiama le omonime pubblicazioni a tinte horror indirizzate al proletariato del Regno Unito dell’Ottocento, i cosiddetti “spaventi da un penny”, tra i quali troviamo anche la storia del barbiere Sweeney Todd, proprio quello dell'omonimo film di Tim Burton.

Erano romanzi di genere venduti in fascicoli settimanali di circa 16 pagine che, per mezzo di illustrazioni grossolane e toni enfatici, raccontavano storie di investigatori, criminali ed esseri soprannaturali. I loro autori lavoravano su più storie contemporaneamente, usando le stesse tecniche narrative delle serie tv di oggi per creare suspense e mantenere viva l’attenzione: anticipazioni, flashback e cliffhanger.
Non erano ben visti dal popolo ed erano in molti a ritenere che i penny dreadful avessero un’influenza negativa sui ragazzi e di essere stati fonte di ispirazione di diversi suicidi e omicidi avvenuti all'epoca da parte di giovani ragazzi.

Insomma, molto interessante, così come molto interessante è il personaggio interpretato da Eva Green, la diabolica Vanessa Ives, che con la sua sola presenza magnetica è in grado di terrorizzare tutti, senza bisogno di grandi effetti speciali o make-up d’effetto. Un'interpretazione molto impegnativa sia fisicamente che psicologicamente, che, secondo il direttore di Showtime David Nevins "passerà nella storia della televisione come una delle più belle interpretazioni... Credo che quei sei mesi all'anno in cui ha interpretato Vanessa le abbiano richiesto molti sforzi. Ha vissuto nel personaggio. Era perseguitata da diavolo, e non è un bel modo per vivere".


Altra chicca è la malinconica colonna sonora composta da Abel Korzeniowski, il compositore di A Single Man e W. E., per lo più utilizzando semplicemente violino e pianoforte, una soundtrack perfettamente in grado di riflettere la potenza emotiva e la poeticità delle immagini.

La pecca invece? Che, dopo tre stagioni la serie sia già finita.
A porre parziale rimedio ci penserà però la Titan Comics, che continuerà a seguire le vicende di queste malinconiche creature del male in un sequel a fumetti, illustrato da Jesús Hervás e intitolato Penny Dreadful: The Awakening.
Dovremo aspettare ancora un po' però: Il primo volume di Penny Dreadful: The Awakening uscirà il prossimo ‪5 Aprile‬.

Paterson: tra poetica del quotidiano e quotidianità della poesia

Titolo originale: Paterson
Regia: Jim Jarmusch
Attori principali: Adam Driver, Golshifteh Farahani, Kara Hayward, Sterling Jerins, Jared Gilman
Genere: Drammatico, poetico
Durata 113 min



Una coppia di Paterson, New Jersey
Amore sussurrato
Il cane Marvin
Un poeta alla guida di un bus che ascolta il cuore della sua città
Coincidenze e rimandi

Il mondo visto da un autobus
Il trascorrerete lento delle giornate
Apoteosi della routine e poesia del quotidiano
L'ironia della parola
La ripetizione di un canone preciso

Un uomo che ripete se stesso
Consuetudini mortifere e stantie
Ambizioni sopite e voglia di cambiamenti
Un taccuino da portare sempre con sé e una birra che aspetta nel pub dell'isolato
Una passione per William Carlos Williams, Ginsberg, O'Hara

Il dono di uno sguardo poetico che ha il potere di cambiare ogni cosa
Senso e non-senso dell’esistenza
Poesia come sostanza
Colori delicati
Poetica del quotidiano o quotidianità della poesia?

Captain Fantastic e il grande Chomsky

"Preferisci festeggiare un elfo dalle orecchie a punta o il più grande filosofo vivente?”

TITOLO ORIGINALE: Captain Fantastic

GENERE: commedia / drammatico / sentimentale

NAZIONE: Stati Uniti

REGIA: Matt Ross

CAST: Viggo Mortensen, Kathryn Hahn, Steve Zahn, Erin Moriarty, Frank Langella,

DISTRIBUZIONE: Good Films

DURATA: 118 min.

USCITA IN ITALIA: mercoledì 7 dicembre 2016

Prendete le dinamiche di una famiglia sui generis raccontate da vicino: un pater familias d’eccezione, il grande Viggo Mortensen, cresce i suoi sei figli isolato dal mondo, in una tranquilla foresta nel Pacific Northwest.

Aggiungeteci una connessione primordiale con la natura e un’educazione anticonformista che mette assieme, con una disciplina ferrea, Chomsky, Bach e un un allenamento fisico e intellettivo molto impegnativo. I membri di questa tribù si procurano il cibo uccidendo animali all'arma bianca, parlano sette lingue, seguono corsi autogestiti di fisica quantistica, disquisiscono di storia e filosofia, così come anche di morte, sesso e malattia.

Il loro nume tutelare è Noam Chomsky, il filosofo e linguista anarchico di cui celebrano il compleanno al posto del Natale, il Noam Chomsky Day: «Meglio lui di un elfo che non esiste».

Addizionando questi fattori otterrete un microcosmo perfettamente autosufficiente, lo stesso ricreato da papà Ben per cercare di sottrarre la sua cucciolata a tutte le forme di propaganda e asservimento imposte dalla struttura sociale.

Il confronto con il mondo reale, fatto di pericoli ed emozioni sconosciuti, si renderà però necessario, loro malgrado, per cercare di evitare che il padre di lei celebri un funerale cristiano per la loro moglie-madre appena morta dopo mesi di ricovero per una grave forma di psicosi.

La famigliola partirà così in viaggio verso la residenza dei nonni paterni, in New Mexico, per pretendere il rispetto delle sue ultime volontà espresse nel testamento, in cui lei ribadiva di essere buddista e di voler essere cremata.

Ma, una volta a contatto con una realtà diversa e con i propri coetanei, i ragazzi conosceranno desideri e sofferenze, e le loro certezze, come anche quelle del padre, cominceranno a vacillare. Ben sarà quindi costretto a mettere in dubbio il suo metodo educativo e a rivedere i propri ideali intellettuali isolazionisti, in un percorso fisico, ma anche interiore, di confronto con il conformismo quotidiano.

Tutto questo è Captain Fantastic, opera seconda e in parte autobiografica dell'attore e regista Matt Ross; una dramedy originale e ideologica, premiata a Cannes e alla scorsa Festa del Cinema di Roma, che ha il pregio di emozionare, far riflettere e divertire.

Un road movie che richiama un po' Little Miss Sunshine o i colori dei film di Wes Anderson, un soffio di aria fresca in cui, grazie alla sua scrittura brillante, Matt Ross mette a nudo con umorismo le esagerazioni dei protagonisti, pur senza mai giudicarle.

Assolutamente da vedere, non foss'altro per la gagliarda prestanza fisica dimostrata da Viggo Mortensen nella scena di nudo integrale.

Genius: tra genio, rigore e sregolatezza

Titolo originale: Genius
Regia: Michael Grandage
Attori principali: Colin Firth, Jude Law, Nicole Kidman, Laura Linney, Guy Pearce
Genere: Drammatico
Durata: 104 min.



Genius mi è capitato, quasi per caso, mentre ero alla ricerca di un film godibile per la serata Cinema2Day e, a conti fatti, devo dire che l'ora di coda per parcheggiare e recuperare un biglietto ne è valsa la pena.

Opera prima di Michael Grandage, regista teatrale di successo, il film è incentrato sulla relazione tra il posato editor Max Perkins (Colin Firth) e l’esuberante scrittore Thomas Wolfe (Jude Law) e si basa sulla biografia "Max Perkins: Editor of Genius" di A. Scott Berg.

Siamo in una prolifica New York della fine degli Anni Venti, quando la Charles Scribner’s Sons era già una notissima casa editrice.
Dopo una lunga collezione di rifiuti ai suoi manoscritti, il 2 gennaio 1929 Wolfe, poco più che trentenne, entra per la prima volta nell'ufficio di Perkins, il curatore editoriale principale della casa editrice Scribner's Son.
In mano ha un manoscritto che Perkins leggerà tutto d'un fiato.

È così che si incontrano per la prima volta due grandi genius.
Il primo, caratterizzato da un'esuberanza al limite dell'irritante, una personalità instabile ed egocentrica, con una carica di genialità creativa e di energia considerevole. Un uomo del tutto incapace di mantenere legami di alcun genere e inconsciamente alla ricerca di un sostituto della figura paterna prematuramente scomparsa. La ritroverà in Perkins, editor ispirato e visionario, così come anche misurato e sempre in equilibrio tra leggerezza e serietà, con alle spalle scoperta e lancio di veri mostri sacri della letteratura mondiale del calibro di Francis Scott Fitzgerald ed Ernest Hemingway.

L’intuito e il fascino ribelle di quella prosa spingono Perkins a puntare sul manoscritto di quel ventenne dalla penna incontenibile, fino ad arrivare ad adottarlo letteralmente e letterariamente e a guidarlo per mano lungo la strada del successo, l'uno complementare all'altro. Wolfe era l’animo avventuroso, sovraeccitato e debordante che il metodico e controllato editore sognava di essere sfogliando libri. Perkins, di contro, era la spalla paterna, rassicurante e misurata per un giovane con deliri di creatività.

Inizia così un sodalizio artistico durato circa un decennio in cui i due lavorarono gomito a gomito per adattare agli standard editoriali dell’epoca le migliaia di pagine del giovanissimo autore e dare vita così a grandi opere come Look Homeward, Angel (1929) e Of Time and the River (1935).

Una pellicola biografica quindi, che racconta in maniera originale la storia di un’amicizia importante, entrando dentro l'intimità del testo e sapendone cogliere le potenzialità, nonché le fragilità. Un singolare rapporto di amicizia paterno-filiale così intenso da rendere gelose le donne della loro vita e da spingere Wolfe a dedicare a Perkins Il fiume e il tempo.

E infatti nel cast troviamo anche una bellissima Nicole Kidman, nei panni di Aline Bernstein, amante di Wolfe a cui lui dedicò molte poesie e libri. Anche qui un rapporto un po' atipico e doloroso, lei già sposata, lui che non vedeva oltre i suoi versi, costantemente immerso nella letteratura.

Un film diretto con tocco classico ma sicuro in cui Grandage ha saputo far emergere la visceralità dei protagonisti, portando alla ribalta l'universo interiore dei personaggi in grado di arrivare subito al cuore degli spettatori. Un film che ha avuto il merito di puntare l'attenzione sulla figura dell'editor nel mondo dell'editoria, mettendo in luce il funzionamento della pubblicazione letteraria

Insomma una bella storia, un bellissimo cast, costumi da sogno, la stessa produzione eccellente di Il discorso del re, anche se, ahimè, un film tanto filologico quanto poco appassionante.
Da vedere, comunque.

Il condominio dei cuori infranti

Regia: Samuel Benchetrit
Attori principali: Isabelle Huppert, Gustave Kervern, Valeria Bruni Tedeschi, Tassadit Mandi, Jules Benchetrit.
Titolo originale: Asphalte
Genere: Commedia drammatica
Durata 100 min.
Uscita giovedì 24 marzo 2016.



Particolare ridicolo e prezioso. È il quinto film di Samuel Benchetrit,una sorta di parabola umanista sulla solitudine contemporanea.

Iniziamo dal titolo così ci togliamo il dente e, via il dente via il dolore.
Il condominio dei cuori infranti. Ma perché?
Perché la scelta di un titolo così smielato e fuorviante se Aspalthe è il nome in lingua originale del secondo film di Samuel Benchetrit?
Perché sminuire una parabola umanista surreale e seriamente ironica facendo pensare ad una semplice commediola romantico-sentimentale?
Mah, sono scelte che mi lasciano un po' perplessa.

Rimane il fatto che Il condominio dei cuori infranti mi ha davvero sorpresa, un film di un'umanita inattesa, che narra della solitudine contemporanea, un film che dice senza dire.
A partire dall'ambientazione, un condominio ingrigito della banlieue parigina, in una delle città-satellite che circondano Parigi e ne costituiscono l'antitesi, nel bene e nel male.
Qui, sotto un cielo coperto e incolore, assistiamo a tre cadute da cui tre personaggi coinvolti si riprenderanno solo grazie all'aiuto di altri.

A cominciare da quella di John Mckenzie, un astronauta americano finito fuori rotta, che atterra con la sua navicella sul tetto del condominio.
Il suo arrivo sorprende in primis i due ragazzini che si erano rifugiati proprio su quel tetto per fuarsi uno spinello e, in secondo luogo madame Hamida, una donna marocchina che lo accoglie in casa propria in attesa che la NASA lo riconduca a casa, accudendolo come un figlio e nutrendolo di amore e cous cous.

Intanto, qualche piano sotto, Jeanne Meyer, la nuova condomina con un passato da attrice rimane chiusa fuori dalla porta, e anche dalla propria vita. In questo caso sarà Charly a soccorrerla: un bel ragazzino nel pieno di un'adolescenza complicata dalla costante assenza della madre.

E infine, il mio preferito, Sternkowtiz, messo ko da cento chilometri di cyclette e da una disastrosa riunione condominiale, che si spaccia per fotografo per fare colpo su un'infermiera di notte.

Tre cadute che troveranno nell'altro una ragione: John infilerà la via di casa a colpi di affetto e di cuscus, Sternkowtiz scoprirà l'amore con l'infermiera lunare, Charly supplirà la madre con Jeanne e Jeanne ritroverà le energie creative negli occhi di Charly.

Un film in cui Benchetrit, scrittore e regista, mette in scena le banlieue della sua infanzia utilizzando più linee narrative intrecciate insieme, con un registro ironico e surreale, spogliato di qualsiasi sentimentalismo, ispirandosi a due racconti del suo Chroniques de l'asphalte.

L'uso di inquadrature fisse e di pochi movimenti di macchina, insieme alla semplicità della progressione narrativa, contribuiscono poi a creare quella fluidità sognante del racconto che rende Il condominio dei cuori infranti un film caratterizzato da un' irreale leggerezza in grado di trasformare a in poesia la banalità del quotidiano. E' magia!

Nick Cave, One More Time With Feeling

"Qualcuno deve cantare le stelle, qualcuno deve cantare la pioggia, qualcuno deve cantare il dolore, qualcuno deve cantare il sangue". Nick Cave

Quest'anno sul grande schermo di Venezia 73 c'era anche lui, Nick Cave, uno dei miei più grandi miti viventi, in qualità di assoluto protagonista di One More Time With Feeling, un tributo live diventato prima un'intervista, poi un documentario e poi qualcosa più vicino a un film in 3D.

Un documentario musicale di Andrew Dominik (il regista di L’assassinio di Jesse James, Cogan e Killing Them Softly), che, con la scusa di raccontare come è nato Skeleton Tree, l'ultimo album di Nick Cave and The Bad Seeds, tira fuori da Nick tutta la sofferenza e il nonsenso seguiti alla tragica scomparsa di uno dei figli gemelli dell'artista, Arthur, avvenuta nell'estate del 2015, proprio a metà registrazione di Skeleton Tree.

Ma giustificare e dare un senso alla morte di un figlio quindicenne, precipitato da un'alta scogliera presso Brighton dopo essersi sporto troppo, richiede tempo e coraggio, occupa le giornate, la mente, pervade ogni attività, ogni singolo minuscolo frammento di tempo.
Per questo, quello che inizialmente era stato pensato come un tributo ai The Bad Seeds e al loro nuovo album si è trasformato necessariamente in una personale discesa nell'oscurità che ha commosso Venezia. E anche me. Sarà per il bianco e nero e il 3D rivelatore o più semplicemente sarà per le parole, i pensieri e le canzoni di Nick Cave.
Un Cave che, più che come profeta contemporaneo, in One More Time With Feeling viene rappresentato come un padre, un padre che sta elaborando il lutto dopo aver perso il proprio figlio.

Eppure,  nel lungometraggio queste considerazioni fanno da sfondo alla nascita del nuovo album, un album dai testi cupi e profetici, perché, d'altro canto, "qualcuno deve cantare le stelle, qualcuno deve cantare la pioggia, qualcuno deve cantare il dolore, qualcuno deve cantare il sangue" e Cave non è solo un padre, ma anche un artista con un rapporto tra trauma e creazione da risolvere.

Un film-performance raffinato, dallo stile fotografico, girato in bianco e nero, a colori e in 3D, che, tra performance live delle nuove canzoni e interviste e riprese di Dominik, riflette bene l'intimità e l'austerità di una delle icone rock del pianeta.

Certo, il risultato è molto diverso dal capolavoro di due anni fa, 20.000 giorni sulla terra di Iain Forsyth e Jane Pollard, ma il progetto registico di Andrew Dominik merita comunque un applauso, non fosse altro per la riverenza e il tatto con cui il regista approccia l'ex fidanzato di sua moglie.

E un applauso a Nexo Digital, che sta portando nelle sale Italiane molti bei film/documentari che vale davvero la pena vedere. Stay tuned!

Si dice Mashable Social Media Day, si scrive #SMDAYIT

Conoscete gia' Mashable?

Per chi si occupa di marketing, digital e social media, la risposta è ovvia: con una media che va oltre i 30 milioni di visualizzazioni mensili, Mashable è oggi il terzo blog più popolare al mondo.

E proprio il 21 e 22 ottobre, a Milano, Mashable ripropone la terza edizione del Mashable Social Media Day 2016, l’evento per eccellenza che celebra la rivoluzione digitale e le potenzialità dei social network.

Due giornate di aggiornamento e formazione all’insegna dell’innovazione, per imparare, confrontarsi e migliorarsi osservando da vicino le best pratice presentate da professionisti del settore di alto livello, tra cui Giuseppe Brugnone (Digital e Social Media Manager di LEGO Italia) e Carlo Rinaldi (Social Media Marketing Lead di Microsoft Italia).

Questi i temi dell’edizione italiana ufficiale #SMDAYIT:

• Social Media
• Business
• Marketing
• Digital Strategy
• UX Design
• Open Innovation
• Tech
• Mobile
• Start up

Un ottimo modo per capire qual è la differenza tra contenuti di valore e “fuffa”, per imparare prendendo spunto dalle strategie concrete e dai case study che verranno presentati.

E i risultati ottenuti dall’edizione 2015 del Mashable #SMDAYIT sembrano confermarlo: oltre 5.500 contatti sul sito e oltre 600 partecipanti in sala, con 4.500 connessi live in streaming.

A collaborare alla buona riuscita dell’evento in qualità di media partner c’è anche Your Brand Camp, la piattaforma di marketing collaborativo col pallino del “marketing della conversazione”: costruendo reali interazioni tra brand e influencer nasce un nuovo modo di fare pubblicità.

E proprio da questa collaborazione tra Mashable e YBC nasce la possibilità di partecipare all’evento di Milano usufruendo dello sconto del 50% sul prezzo del biglietto! Non perdete l’occasione!

Suicide Squad: quando anche i cattivi possono combinare qualcosa di buono

Per quanto mi riguarda, pollice su per Suicide Squad, l'ultimo capitolo del DC Extended Universe, uno dei più importanti media franchise americani di fumetti.

Un gran successo di pubblico quindi, anche se non di critica, per il cinecomic diretto da David Ayer, sulle poco raccomandabili figure dei cattivi di DC, tutte raccolte in una task force col difficile compito di salvare il mondo minacciato da entità dai poteri sovraumani.



Premesso che ho deciso di astenermi sui commenti riguardanti la trama del film, un po' perché questo non è il mio cinema e non sono né appassionata né esperta del genere, ho tantissimo da dire invece sui personaggi, sia sui supercriminali "buoni", sia sull’unico vero e proprio big bad della storia.

Sto parlando di Amanda Waller (Viola Davis), un agente governativo pronto a tutto per garantire la sicurezza nazionale e a capo dell'A.R.G.U.S., un'organizzazione creata proprio per sventare minacce metaumane. Un personaggio scomodo, la cinicità fatta persona per intenderci, che proporrà ai massimi esponenti dell'intelligence americana di costruire la Task Force X, una squadra di criminali al momento assicurati alla giustizia, selezionati con cura per le loro insolite capacità al limite delle possibilità umane, i soli in grado di salvare gli Stati Uniti dalla minaccia di un attacco terroristico.

A questo punto la domanda nasce spontanea: come incentivarli e convincerli a collaborare l’uno con l’altro?
Se gli sconti di pena potrebbero non bastare per elementi con ergastoli da scontare, un esplosivo impiantato nel collo pronto a esplodere in caso di fughe varie potrebbe avere maggiore efficacia.

L’utilità di questa complicata operazione? In primo luogo, lo squadrone di cattivoni, grazie alle speciali abilità e ai super poteri dei suoi membri, ha più possibilità di vittoria in caso di scontri con metaumani. Senza contare poi l'importante fattore della negabilità, per cui in caso di esito negativo del progetto le colpe anziché ricadere sul Governo, verrebbero imputate alla Suicide Squad.

E, così facendo, chi per un motivo, chi per un altro, si finisce tutti per tifare per questi suggestivi criminali, anche perché i loro disturbi di personalità e le loro debolezze rivelano un lato umano che li rende più dei ragazzacci indisciplinati molto simili a noi, oltre che vulnerabili.

Prendiamo ad esempio Deadshot (Will Smith), il cecchino dalla mira infallibile ma dall'animo gentile. Un eroe travagliato e combattuto che porta sempre nel cuore la figlioletta Zoe e il sogno di essere un buon padre per lei.

Per non parlare dell'ex-psichiatra Harley Quinn (Margot Robbie), che nel film rappresenta la follia pura intrappolata in un personaggio: instabile, ammaliatrice, innamorata del malefico Joker, e, ovviamente, bellissima.
Pazzia a parte, anche lei si rivelerà un'eroina in bilico tra la cultura post punk, goth, e emo.

Abbiamo poi El Diablo (Jay Hernandez), un personaggio dotato di poteri incendiari che si era ripromesso di non usare più, dopo aver perso il controllo e aver sterminato la propria famiglia (figlioletti compresi).

E l'orribile ma simpatico Killer Croc (Adewale Akinnuoye-Agbaje) che, a causa di una rara malattia, ha la pelle come quella di un rettile.

Captain Boomerang (Jay Courtney), è invece un ladro australiano che utilizza un boomerang, per l'appunto, come arma, mentre Slipknot (Adam Beach) è un escapista capace di utilizzare qualsiasi arma.

E finalmente un'altra donna, Katana (Karen Fukuhara), spadaccina giapponese sempre in compagnia della sua spada magica Soultaker.

A coordinare e dirigere il tutto c'è Rick Flag (Joel Kinnaman), buono e bello ma, per farla breve, molto sfigato, a testimoniare che in occasioni simili non c'è differenza fra eroi e criminali. Il capitano è fidanzato con June Moon, un’archeologa posseduta da un'ancestrale entità malvagia nota come l’Incantatrice (Cara Delevigne) che ha involontariamente risvegliato.

Due paroline anche sul Joker di Jared Leto, un personaggio che mi ha incuriosito parecchio, anche se il suo ruolo nel film è stato molto breve e molto difficile, viste le precedenti autorevoli messe inscena dello stesso personaggio da parte di attori del calibro di Jack Nicholson e Heath Ledger. Un Joker più glamour il suo, più gangster, in una veste totalmente inedita che non ha nulla da togliere alle trasposizioni precedenti, tenendo anche conto del fatto che, leggenda vuole, per interpretare il personaggio per tutto il periodo delle riprese, sia dentro che fuori il set, abbia continuato a recitare il ruolo di Joker.

Peccato solo che compaia poco nel film (apiena in 15 minuti dei 130 minuti totali), tanto che sono in molti ad aver accusato la Warner Bros di presa in giro, per aver tagliato gran parte delle scene che lo vedevano coinvolto dopo aver spinto molto sulla sua presenza.

Un cast ampio e variegato insomma, che ha lavorato molto sull'interpretazione e sulla caratterizzazione dei personaggi, pur giurando eterna fedeltà ai personaggi DC.

E anche il film in se stesso risponde in tutto e per tutto allo “stile DC”, molto fumettistico e molto videogame, pieno di colori desaturati, atmosfere livide, rumori e abbondanza di scene notturne.

Per ultimo, un accenno alla colonna sonora, davvero interessante (e costosa) che include, tra gli altri, Fortunate Son dei Creedence Clearwater Revival e Bohemian Rapsody in versione Panic! At The Disco.

In conclusione, un film piacevole e godibile grazie alle interpretazioni fornite da quasi tutto il cast, che vi faranno divertire e appassionare ma dove non sarà possibile trovare niente di più che il puro intrattenimento. Siatene consapevoli e buona visione.

E rimanete al vostro posto durante i titoli di coda…

Stranger things e la nostalgia che funziona

"È il racconto di tanti noi stessi che vengono a cercarci, a cercare di salvarci dal nostro mondo." 

(Federico Gironi, articolo su comingsoon.it)

Titolo: Stranger Things
Paese: Stati Uniti d'America
Anno di uscita: 2016 – in produzione
Formato: serie TV
Genere: fantascienza, soprannaturale, horror, thriller
Stagioni: 1
Episodi: 8
Interpreti principali: Winona Ryder, David Harbour, Finn Wolfhard, Millie Bobby Brown, Gaten Matarazzo, Caleb McLaughlin, Natalia Dyer, Charlie Heaton, Cara Buono, Matthew Modine



Emozionante, straziante, e talvolta spaventosa, una storia paurosa e dolce allo stesso tempo.

Pensata dai "The Duffer Brothers" (Matt e Ross Duffer) come «una lettera d'amore ai classici degli anni ottanta che hanno affascinato una generazione», Stranger Things è, a tutti gli effetti, una serie televisiva statunitense di fantascienza che stimola l'immaginazione e il desiderio di avventura del pubblico puntando sulle sensazioni generate dai classici del cinema e della letteratura fantastica degli anni ottanta, quali le opere di Steven Spielberg e John Carpenter o i romanzi di Stephen King.

Il risultato? Una serie "citazionista" composta da scampoli di film come I Goonies, E.T. l'extra-terrestre, Stand by Me - Ricordo di un'estate, La cosa e A Nightmare on Elm Street, un'appassionante celebrazione della nostalgia verso la televisione vintage degli anni ottanta, proprio per questo maggiormente apprezzabile dai trentenni del 2016 che con quei film si sono emozionati e sono cresciuti.

In realtà, inizialmente, i Duffer Brothers avevano pensato di chiamare la serie Montauk, dall'omonima località nei pressi di East Hampton (nella costa meridionale di Long Island) dove erano intenzionati ad ambientarla ambendo a riprodurre un'ambientazione simile a quella dell'Isola di Amity di Lo squalo. In un secondo momento però, i due ideatori, già autori e registi del film thriller Hidden, hanno scelto come sfondo degli eventi una fittizia piccola città in Indiana.

E infatti, la prima serie è incentrata sugli eventi legati alla misteriosa sparizione di un bambino e all'apparizione di una ragazza dotata di poteri telecinetici fuggita da un laboratorio segreto.

Siamo a Hawkins, una remota e tranquilla cittadina dell'Indiana, all'inizio dell'inverno del 1983. Will Byers, un dodicenne della zona, sparisce misteriosamente e il mistero si infittisce ulteriormente quando sua madre, Joyce, comincia a vivere bizzarre esperienze soprannaturali nella propria casa.

Intanto "Undici", una stramba ragazzina con il numero 11 tatuato sul suo braccio, fugge da Hawkins, un laboratorio segreto situato nei dintorni della stessa cittadina, approfittando della confusione generata da un incidente capitato a un ricercatore che è stato vittima di un'inquietante creatura.

Nel corso della sua fuga si imbatterà in un gruppo di ragazzini, i tre migliori amici di Will, Mike, Dustin e Lucas. Insieme seguiranno le tracce del compagno svanito nel nulla.

Comunque Stranger Things è stata accolta positivamente dalla critica. Sarà per la caratterizzazione dei personaggi, il cast e l'atmosfera che richiama alla memoria il cinema fantastico degli anni ottanta.

La prima stagione, caratterizzata da una trama autoconclusiva, è stata pubblicata su Netflix il 15 luglio 2016, in tutti i paesi in cui il servizio è disponibile. I Duffer Brothers hanno parlato di un'altra stagione successiva, più come sequel che altro, in cui si possa esplorare meglio la mitologia della serie e approfondire gli sviluppi delle vite dei protagonisti.

In questo senso, Stranger Things incarna un nuovo formato narrativo Netflix che va oltre la semplice serie o miniserie, per diventare un vero e proprio film a capitoli che è impossibile smettere di guardare. Una sorta di escamotage usato per poter azzardare quella distensione del racconto che nel cinema di oggi non ci si può più permettere.

In più, una colonna sonora fatta per lo più di musica elettronica (che rievoca bene la musica degli anni ottanta), con musiche originali composte da Michael Stein e Kyle Dixon, ex membri di una band synth chiamata Survive, ma anche con vari brani rock degli anni settanta e ottanta, tra cui Should I Stay or Should I Go dei The Clash, She Has Funny Cars e White Rabbit dei Jefferson Airplane, Heroes di David Bowie, o ancora Atmosphere dei Joy Division.

A fare tutto il resto è un cast eccezionale, in cui ogni volto è stato scelto con cura incredibile per trasmettere quel misto di innocenza, cameratismo, sarcasmo e paura. Prima fra tutti la mia eroina anni ottanta e novanta Winona Ryder, per la prima volta protagonista in una serie televisiva.

Chiudo qui: non posso dire di più per non rovinare la sorpresa...e perché sennò mio fratello (che non l'ha ancora finito di vedere) questa volta mi ammazza veramente!

Educazione affettiva: pronti a tornare nuovamente bambini?

Regia: Federico Bondi e Clemente Bicocchi
Soggetto e Sceneggiatura: Federico Bondi e Clemente Bicocchi in collaborazione con Matteo Bianchini, Graziano Giachi, Letizia Franciolini, Paolo Scopetani
Prodotto da: Enzo Coluccio e Egidio Artaria

«Penso troppo al futuro, e perciò, essendo una bambina di V elementare, il mio futuro sono le medie e il liceo. Mio babbo mi dice sempre di pensare al presente, ma io non ci riesco e non so neanche perché. In questi giorni sento dire cose che mi preoccupano, come "bocciature"... Perché a me? Perché a me? Non voglio andare nel futuro!»
(da un tema in classe di Giulia)

Migliaia di spettatori in tutta Italia si sono emozionati vedendo Educazione affettiva.


Ora grazie a Movieday, prima piattaforma italiana di cinema on demand, sta arrivando anche nelle vostre città: pronti a tornare nuovamente bambini?

Basta prenotare subito il biglietto.

I 99 Posse e la pixel art di Supertotto

A quasi cinque anni dalla pubblicazione di Cattivi guaglioni, i 99 Posse sono tornati con un nuovo album (Il Tempo. Le Parole. Il Suono., uscito ad aprile per A1 Entertainment) e, soprattutto, con un nuovo video molto interessante.

Per Va bene, un estratto di questo album, la band napoletana ha pensato a un video di Pixel Art realizzato da un altro “illustre” napoletano (residente a Berlino, però!), l’artista Supertotto, uno dei massimi esponenti della Pixel Art, famoso per le sue opere prettamente videoludiche in cui si nascondono una quantità infinita di minuscoli e preziosi dettagli e che richiamano palesemente le grafiche anni Ottanta dei videogiochi.

E ci pace tanto!

Truth e la riscoperta del cinema d’inchiesta

Titolo: Truth – Il prezzo della verità
Regia: James Vanderbilt
Genere: cinema d'inchiesta
Sceneggiatura: James Vanderbilt
Fotografia: Mandy Walker
Musica: Brian Tyler
Interpreti: Robert Redford, Cate Blanchett, Topher Grace, Dennis Quaid, Elizabeth Moss
Paese: Usa, 2015
Durata: 121 minuti



In una serata estiva una passeggiatina dopocena con gelato incluso non fa mai male. Se poi passi davanti al cinema e vedi che c'è un film interessante ancora meglio. Se poi il film interessante non è ancora iniziato ma è lì lì per cominciare allora sei proprio fortunato!

È' stato così, per caso, che ho conosciuto James Vanderbilt, già sceneggiatore di Zodiac e The Amazing Spiderman, al suo esordio alla regia con il film Truth – Il prezzo della verità.

Si tratta di una pellicola sul e di giornalismo d'inchiesta, che, riprendendo un filone recentemente riscoperto da Hollywood sulla scia de Il caso Spotlight, racconta con dinamismo il primo fallimento del giornalismo degli anni 2000. Una storia vera quindi, tratta dall’auto-biografia Truth and Duty: The Press, the President, and the Privilege of Power della (ex) giornalista della CBS Mary Mapes, premio Peabody per l’inchiesta sulle torture dell’esercito statunitense inflitte ai prigionieri ad Abu Ghrai, Iraq.

Siamo nel 2005 e Mary Mapes (Cate Blanchett), giornalista e produttrice televisiva della trasmissione 60 Minutes della CBS, che già vantava servizi giornalistici di enorme rilievo, manda in onda lo scoop portato alla luce dal suo team di lavoro sul caso noto come Rathergate, secondo cui l'ex presidente degli Stati Uniti George W. Bush (allora in campagna elettorale contro John Kerry) avrebbe disertato il suo incarico da pilota nella Guardia Nazionale Aerea durante la guerra nel Vietnam. La notizia viene però subito messa in discussione sulla base di piccoli cavilli ingigantiti appositamente per smentire l'attendibiltà delle fonti e la veridicità dei documenti portati a testimonianza e affossare così il tema centrale della notizia riportata.

Vanderbilt costruisce la storia in crescendo, seguendo, passo dopo passo, gli sviluppi e le scoperte del team di giornalisti, fino al licenziamento della Mape, che, pur rivelandosi una giornalista forte e combattiva, disposta alle sfide più feroci pur di difendere la sua causa, non può fare niente contro le decisioni che vengono dall'alto. La stessa sorte tocca al suo stesso gruppo di lavoro, affiatato ma variegato di personalità, mentre l’anchor man Dan Rather (Robert Redford) presenterà le proprie dimissioni.

E dietro tutti questi eventi narrati emerge, in modo neanche troppo celato, l'interessante rapporto tra politica e giornalismo: il potere della stampa e la consapevolezza che la forza mediatica può possedere la forza distruttrice di un ordigno.

Una regia molto essenziale, di fattura televisiva (che in questo caso ci può anche stare visto che il tema affrontato riguarda proprio tv e media), per un film affascinante, in grado di coinvolgere e lasciare col fiato sospeso, anche grazie al contributo della Blanchett: ogni emozione passa per l'intensità espressiva del suo volto e per la sua voce, soprattutto quando la Mapes si trova davanti alla commissione a rispondere del suo lavoro.

Ottimo anche Robert Redford che troviamo nel film in una versione invecchiata che non toglie niente alla classe e al carisma che rimangono ineguagliabili.

Ma il finale amaro della vicenda ha anche il merito di inquadrare un momento storico cruciale per la storia del giornalismo vissuto nel passaggio dai media tradizionali ai nuovi media digitali, quello della perdita dell’informazione, sia binaria che reale, sollevando Interrogativi sul mondo dell’informazione e su un approccio professionale che, ancora oggi, si scontra con un sistema di potere per il quale la verità non è mai univoca.

E allora, per dirla con le parole di Rather, “Coraggio!”.